Vince Vega es imbecil y Tarantino no quiere que lo sepamos

El otro día revisionando por n-ésima vez Pulp Fiction, la obra maestra de Quentin Tarantino, me puse a pensar en su complicado montaje y en la razón de este. Y he llegado a una conclusión, una teoría que el director de Knoxville nunca confirmará pero para la que he encontrado notables pruebas que la sustentan. La llamaremos "Teoría del montaje creador de empatía" o "Vince Vega es imbecil y Tarantino no quiere que lo sepamos". Para desarrollar más esta teoría voy a resumir en orden cronológico (y no de aparición en el film) las apariciones de este personaje (interpretado por John Travolta) en la película. Evidentemente si no han visto la película, primero véanla y luego lean esto.

• Vincent Vega acaba de volver de Europa,y va con su compañero, Jules Winnfield, a hacer un trabajito sucio de matón, recuperar un maletín muy valioso. De su segunda discursión, acerca del masaje de piés a Mia parece extraerse la idea de que Vince es un tipo prudente y más le vale porque sabemos que va a tener que salir con Mia (que aún no sabemos que es la impresionante Uma Thurman pero suponemos que es razón suficiente para tirar a un tipo por la ventana). Esta es la primera impresión que tenemos de Vincent en la película.

• Continuamos con la escena de recuperación del maletín. Vince se queda en un segundo plano, donde parece que está tranquilo. Pero ya en el coche le pega un tiro en la cabeza a Marvin, el tipo que tenían de topo, al hacer el tonto con la pistola, y no llevar seguro. Durante toda la escena en casa de Jimmy (interpretado por Tarantino), Vincent esta cabreado; la ha cagado él pero parece que no és sino una victima de todo. Trás la inestimable ayuda de "El Lobo", los dos matones van a una cafetería que es atracada, Vincent se va al servicio en el peor momento posible y un iluminado Jules soluciona el asunto sin derramar una gota de sangre.

• Trás este asunto van a ver a Marsellus (Ving Rhames), el jefe, que está convenciendo a Butch (Bruce Willis) de que amañe su combate. Aquí Vincent sigue exaltado y discute con Butch por una tontería. El camarero avisa a Vincent sobre Mia, consejo que Vincent ignora, el sabe lo que se hace.

• Antes de ir a por Mia, Vincent compra heroína, se mete un chute y se la guarda en el bolsillo. Mete la pata al preguntar al camello sobre su mujer.

• Vince llega a la casa de los Wallace, y trás un jugueteo de Mia a través del interfono van al "Jack Rabbit's Slim" donde tienen conversaciones incomodas, incluyendo el citado tema el masaje de pies. Da la sensación de que Vince quiere sopesar a partir de que punto se jugaría la vida. Bailan y se lo acaban pasando bien.

• Tanto que acaban llegando a casa y mientras Vince frente al espejo combate la tentación. Mia se mete una sobredosis de la heroína de Vince pensando que es cocaína. No se le ocurre otra cosa a Vince que llevarla donde el camello, Lance, y la logran salvar con una inyección de adrenalina en el último momento. Deciden hacer como que nada ha pasado.

• Por último Vincent aparece en casa de Butch, suponemos que Marsellus le ha enviado a buscarle y matarlo, cuando Butch regresa a por su reloj de oro. ¡Pero Vincent está en el baño, otra vez! Y con su propia metralleta, que se deja en la cocina, Butch le acribilla.

Eso es en resumen el paso de Vincent Vega por la película y mis conclusiones son que Vincent Vega es un tipo descuidado, se deja la heroína en el bolsillo del abrigo en una bolsita cuando le da el abrigo a Mia, no lleva el seguro cuando apunta a la cabeza de Marvin y se deja el arma en la cocina cuando se va al baño. Además peca de exceso de confianza y es fácilmente provocable. Por todo esto creo que Vincent Vega es el matón imbécil, dentro del arquetipo de pareja de secuaces, que en cuanto Jules desaparece, debido a su iluminación, es eliminado. Pero Tarantino nos lo oculta en su montaje mostrándonos sus acciones acertadas antes que las meteduras de pata, quizás porque es un personaje recurrente (aparece también en Reservoir Dogs) o quizás porque, al igual que creo que le pasa con el Teniente Aldo Raine de "Inglorious Basterds" (Malditos Bastardos), le tiene cariño, porque le recuerda a si mismo y sus paisanos del sur profundo.

EDITADO: El personaje de Michael Madsen en Reservoir dogs (Señor Rubio) no es Vince Vega como creía, sino Vic Vega, hermano de Vincent. De hecho Tarantino tenía en mente rodar una precuela sobre los dos hermanos, pero quizás se le hayan hecho viejos ya.

Los Pilares del Heavy Metal en España: Introducción

Hoy estreno una serie monográfica sobre el Heavy Metal en España. En ella trataré en orden cuasi-cronológico de analizar el desarrollo de este movimiento a través de las que a mi entender son sus obras más representativas y/o influyentes. Me centraré exclusivamente en los trabajos creados y producidos en España aunque con toda seguridad hablaremos de influencias externas en la mayoria de los articulos.

Por ello si no os interesa el rock duro estas entradas os serán indiferentes. Espero por otro caso que sirvan de entretenimiento e información a gente que disfrute o se este introduciendo en este tipo de música, no tan marginal y ruidosa como algunos suponen.

Por último decir que mis conocimientos del lenguaje musical son escasos y por lo tanto es probable que existan errores de bulto en algún comentario técnico. Aunque mi objetivo no es el de escribir ningún tratado agradecería cualquier corrección, así como sugerencias sobre las obras a analizar o cualquier otro comentario.

He aquí el índice del monográfico, que iré ampliando y ordenando a medida que la serie avance:

1. Volumen Brutal: El pilar maestro
   
2. El que más: Principal muro de carga

Volumen Brutal: El pilar maestro

Empezamos esta serie sobre "Los pilares del Heavy Metal en España" con el que sin lugar a dudas es el disco más influyente de la historia del rock duro de este país: El Volumen Brutal de Barón Rojo.

• Antecedentes

En el año en que se publicó este disco, 1982, España concluiría su transición política con la victoria en octubre del P.S.O.E. de Gonzalez y Guerra y España era cada día un país más abierto y democrático aunque sumido en un grave crisis económica que era debida en parte a una crisis internacional y en parte a unas estructuras productivas obsoletas, ¿les suena? El caso es que en este contexto habían surgido desde finales de los 70 una serie de bandas de rock duro como Coz, Leño, Ñu, Asfalto, etc; inspiradas principalmente por el rock que había triunfado en los países anglosajones con el auge de los hippies a finales de la década anterior. Tenían por lo general letras que hablaban de barrios obreros y miserias mundanas, este estilo musical típicamente nacional se ha venido a denominar genéricamente Rock Urbano y todavía aparecen una serie de grupos que a su manera lo siguen practicando como Extremoduro, Marea, etc.


En uno de estos grupos: Coz, están los hermanos de Castro (Carlos y Armando) hasta 1980 (posteriormente Coz publicarían temas tan conocidos como este).

Carlos y Armando abandonan Coz por problemas con la discográfica CBS y forman Barón Rojo junto a Jose Luis Campuzano, alias Sherpa, y el uruguayo Hermes Calabria. Con esta formación, es decir:

Armando de Castro - Voz, Guitarra
Carlos de Castro - Voz, Guitarra
Jose Luís Campuzano (Sherpa) - Voz, Bajo
Hermes Calabria - Bateria

graban en 1981 su primer disco Larga vida al rock and roll (La reciente reunión de esta formación, separada en 1989, para algunos es probablemente la noticia mejor acogida por los heavys de este país), con una producción horrenda pero un puñado de buenos temas que les dan publicidad, ventas y prestigio como para poder al año siguiente irse a Londres a grabar su segundo album en los estudios Kingsway de Ian Gillian, cantante de Deep Purple.

• El Disco

Volumen Brutal es el nombre que ponen a su segundo disco que es ciertamente continuista con el estilo de el primero. Combina el Rock Urbano que había surgido en España con influencias más hardrockeras, especialmente AC/DC. Una de los puntos a favor de la banda es su amplio registro, ya que las canciones suelen estar compuestas bien por los hermanos de Castro de un estilo más directo y duro o bien por Sherpa y su pareja, Carolina Cortés, que tienen un tono más complejo, poético y denso. Esta diversidad se acentúa por el hecho de que la banda no tiene un cantante fijo, sino que Carlos y Sherpa se reparten los temas que cantan casi por igual, dando una variedad a los temas poco habitual (aún así la interpretación de Sherpa es mejor en casi todos los casos, todo hay que decirlo).

Este dísco es como digo al inicio el más influyente de las historia del rock duro en este país ( los Barón eran reticentes a llamar Heavy Metal a su música). Y es vital para entender todo el desarrollo del genero. Además les dió un gran prestigio internacional, al publicar una edición cantada en ingles, permitiendoles girar por inglaterra con algunas de las bandas más punteras del mundo.

Pero analicemos el álbum tema a tema.

• Tema a Tema

El disco comienza con uno de los temas más rapidos de la discografía de Barón Rojo: Incomunicación. Escrita por los hermanos y cantada por Carlos, su letra habla como es de esperar de la alienación provocada por la incomunicación sociedad actual. Es un tema corto y sencillo, de poco texto, de estribillo pegadizo que funciona muy bien en directo y cuya mayor virtud para mí es su bridge que anima a lanzarse al estribillo. No es de mis temas favoritos.

La siguiente canción, Los rockeros van al infierno, es probablemente el himno más conocido de Barón. Esta compuesta por la pareja Campuzano-Cortés y cantada por el mismo Sherpa. Realmente es un tema bastante más lento y ligero de lo que se podría esperar de un tema de este título. Tiene un riff principal de guitarra muy característico que lleva el peso de toda la canción. Y un estribillo que para mi gusto pilla un poco a contratiempo. Quizás a esta canción le falte un buen estribillo, o quizás no ya que en cada concierto es coreado por miles de seguidores, casi 30 años después. La letra, te lo puedes imaginar: mi rollo es el rock: Declaración de principios e intenciones.

La siguiente es probablemente una de las canciones más extrañas de Barón Rojo. Dame la oportunidad es una suerte de medio-tiempo de contenido amoroso (fijaos que no dice dame "otra" oportunidad sino "la", eso la distingue en temática de la típica canción arrastrada de pop). Está escrita curiosamente por los hermanos de Castro y es la canción del disco menos querida por la mayor parte de los fans: Yo sólo la he escuchado una vez en directo y los he visto ya unas cuantas veces. En todo caso a mi el tema me gusta, rompe la dinámica del disco y le da un poco de sentimiento al asunto, queda curioso.

La siguiente canción es también de Carolina y Sherpa. Se titula Son como hormigas y es una crítica al sistema, especialmente al ayuntamiento de Madrid. Es una canción bastante interesante musicalmente hablando, con una melodía que varía bastante entre estrofa y estrofa. Tiene alguna curiosidad en su estructura como el sólo de guitarra que es interrumpido por la voz para cantar las estrofas más críticas de la canción y luego continuar tras un sólo de saxo y terminarlo. Además tiene una frase que tiene algo de profética: "mañana pagará por su aparcamiento, pasado pagará por cualquier invento". Para mí la gran tapada del dísco.

La siguiente canción toma su nombre del famoso libro de Charles Baudelaire, Las Flores del mal y, tal y como yo la entiendo, es una canción apocalíptica sobre los peligros medioambientales. El riff de guitarra es típicamente Barón, en una canción de ritmo pausado que a mi me recuerda un poco a Los desertores del rock de su álbum anterior. De mis temas favoritos, me gusta mucho su sólo de guitarra y la ambiguedad de su mensaje.

Y llegamos a otro grande: Resistiré. Probablemente junto con Los rockeros van al infierno la canción que más exito le ha dado a Barón Rojo y la primera que escuche en mi vida. Está compuesta por las dos parejas: los hermanos de Castro, Sherpa y Carolina Cortés y eso se nota. Empieza con una introducción de tono ligeramente sinfónico de que se rompe con la entrada a la vez de la bateria, el bajo y las guitarras. Tiene un ritmo galopante, muy al estilo de Iron Maiden en esa época, y bastante mala ostia tanto en la letra como en la música. Yo creo que habla de la Iglesia Católica pero podría ser cualquier grupo de gente que trate de controlar. Tiene un estribillo que engancha y un duelo de guitarras en su parte final que muestra la calidad musical de los hermanos de Castro. Una de mis canciones favoritas de los barones.

Satánico Plan (Volumen Brutal) es otra de esas canciones que nunca falta en directo y a mi es de las que menos me gustan. Está escrita por Sherpa y los dos hermanos y habla de como les ayuda el rock a evadirse y a encontrarse a ellos mismos. A mi me parece que tiene un estilo bastante peculiar casi parecido a las bandas de metal más modernas pero mucho más ligero. No me convence.

La siguiente es otra grande: Concierto para ellos. Es un requiem a Bon Scott (cantante de AC/DC fallecido en 1980) especialmente y a todos los rockeros muertos por aquel entonces. A todos ellos los nombran en uno de los estribillos más complicados de pronunciar que me sé, a saber:

Janis Joplin - Muerta en 1970
John Lennon (The Beatles) - Muerto en 1980
Duane Allman ( The Allman Brothers) - Muerto en 1971
Jimmy Hendrix - Muerto en 1970
Marc Bolan (T. Rex) - Muerto en 1977
John Bonhan (Led Zeppellin) - Muerto en 1980
Brian Jones (Rolling Stones) - Muerto en 1969
Keith Moon (The Who) - Muerto en 1978

La canción es todo un homenaje, con unas estrofas inspiradoras, una buena melodía de teclado, un interesante riff principal y un sherpa cantando como nunca. Uno de los temas que mejor condensan la esencia del Rock. En cada concierto de rock and roll las campanas doblan por Bon Scott. Mi preferida del disco junto con resistiré.

Hermano del Rock & Roll es una canción lenta y pesada. Compuesta y cantada (mal por cierto) por Armando. Tiene un estribillo bastante machacón y una temática parecida a Satánico Plan. No fu ni fa. Para mí es o un relleno o un capricho de Armando. En concierto suele servir para que los músicos se luzcan improvisando un poco en el solo.

El disco lo cierra la esplendida El barón vuela sobre Inglaterra. Un tema instrumental virtuoso con muchos cambios de ritmo, que empieza muy rápido para acabar enlazando con la melodía del tema Barón Rojo, aparecido en el anterior álbum de la banda. Tiene la virtud de recordar traer a la mente la imagen de vuelos y combates aéreos, como lo harían posteriormente Iron Maiden con su Aces High (estos centrandose en la segunda guerra mundial).

El éxito de este disco junto con algún otro daría un empujón enorme al género y a bandas que luchaban por abrirse paso, dando lugar a una década en la que el rock vendía más discos y llenaba más estadios que el tontipop de la movida. El porqué no son tan recordados con aquellos, no lo sé, pero hace 2 meses estuve en el concierto reunión de Barón Rojo en el festival Metalway, y congregaron a más de diez mil personas bajo un viento infernal: por algo será.

En la proxima entrega hablaré de otros de los dinosaurios no extintos que pusieros los cementos de Heavy Metal en España: Obús.

Arriba Pixar!!!

Viendo el panorama de la actual cartelera, a uno le cuesta encontrar una película en la que exista ese equilibrio entre arte y entretenimiento que busco cuando veo cine. Por ello no es extraño que acuda a valores fiables cuando voy

al cine. Y hoy por hoy para mí el valor más fiable. no ya sólo en animación sino en el cine en general. son los chicos de Pixar. Y su última película ( Up ) es una ráfaga de aire fresco en un ambiente cargado de risas enlatadas en robots transformables.

Up es en gran medida una continuación del estilo narrativo de Wall-e, aunque el argumento sea radicalmente distinto. Nos encontramos con la historia de un hombre que por una mezcla de amor a su esposa fallecida, espíritu de aventura y presiones urbanísticas decide iniciar un viaje en su casa volante hasta la jungla sudamericana. Y lo cierto es que la película, al igual que wall-e, tiene unos 30 minutos iniciales realmente deslumbrantes. Te olvidas de la animación para sumergirte en la maravillosa historia, incluido un resumen de toda una vida en 10 min. que será de aquí a unos años un gran clásico dentro de las escenas del cine de animación. Posteriormente la película va tendiendo hacia un tono más Disney, más comercial que continua entreteniendo y enterneciendo pero que da la sensación de que pierde parte de ese carácter innovador y rebelde que tiene inicialmente. La trama se vuelve también más predecible seguramente para satisfacer al público infantil.

Otro aspecto destacable en el apartado guión es el tratamiento de los personajes, algunos de los cuales sorprenden por su complejidad detrás de su aparente simpleza. Especialmente me llaman la atención el protagonista Carl ( ¡un viejo protagonizando una película de dibujos, ojo!) y el villano tardío (no sólo por aparecer tarde en la cinta), así como los divertidos Dog y Kevin.

En cuanto a la parte técnica, poco que decir: Pixar=Animación (o al menos animación CGI) .Hoy por hoy no se puede hacer una película de dibujos más bonita, más colorida o mejor animada que las que hace Pixar. Por supuesto que se puede hacer más realista, pero esto son dibujos animados el objetivo es otro.


En definitiva, un derroche de imaginación para contar una historia atípica con un protagonista inconcebible y, que además de entretener, hace reflexionar sobre algunos temas universales: la vida, el amor, la soledad, el espíritu de aventura y otros más locales como la especulación inmobiliaria o el modelo de relación parento-filial actual. Hasta ahora, quizás la mejor película del año: Pero me gusta más Wall-e.

P.D.- A modo de curiosidad, Disney no tenía excesiva confianza en el producto y no fabrico tanto merchandising como es habitual y ahora están desbordados de niños que quieren el muñeco del vejete.

P.P.D.- Yo la vi en 3D, pero no vale la pena. Es una lástima pero ni los animadores dominan todavía suficientemente la técnica ni la tecnología esta suficientemente madura como para que el valor añadido a la experiencia sea destacable.

Una opinión

"Según los jóvenes críticos americanos, uno de los grandes descubrimientos de nuestra época es el valor del aburrimiento como tema artístico. Si esto es cierto, entonces Antonioni merece figurar entre los pioneros de esa tendencia, con el titulo de padre fundador."

Orson Welles a Kennet Tyran para Playboy Interviews, 1972

Más Información:

• La imagen es un fotograma de Blow-up (Palma de Oro en Cannes 1966) de Michelangelo Antonioni
  

• Michelangelo Antonioni: IMDB, Wikipedia
• Orson Welles: IMDB, Wikipedia
  

Millennium: Último boom literario

Normalmente me acerco con algo más que recelo a los bestsellers. La literatura de consumo tiende demasiado a menudo a descuidar la forma y el fondo a cambio de la generación rápida de noveluchas que enganchen a esa masa que denominan lectores ocasionales. A pesar de ello decidí leer el primer volumen de la saga Millennium principalmente por el hecho de que sucedía en Suecia, un país con el que tengo algo de relación personal, y porque el cartel de la película me resultaba enigmático. A continuación les hablaré tanto de la primera novela de la saga como de la película que la adapta.


En primer lugar un pequeño comentario sobre el título: ¿ Por qué se empeñan en cambiar innecesariamente el título original en las traducciones de algunas novelas o películas? Me explicaré. El título original de la novela es Män som hatar kvinnor ("hombres que odian a las mujeres") pero en castellano decidieron que odiar era muy brusco y la tradujeron por "Los hombres que no amaban a las mujeres". Es cierto que es un cambio sutil pero existe diferencia y, es más, es completamente innecesario. En los otros dos volumenes el cambio es más pronunciado: de Flickan som lekte med elden ("La chica que jugaba con fuego") a "La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina" y de Luftslottet som sprängdes ("El castillo en el aire que se desvaneció") a "La reina del palacio de las corrientes de aire". Lo dicho innecesario, confuso, pedante, cateto y estúpido.

Si nos centramos en el libro en sí, nos encontramos que lo que Steig Larsson hizo antes de morir fue una interesante trama policiaca, que tiene todas las características del género que ya definió completamente Agata Christie hace más de 70 años, aderezada con algo de contenido político y social. Y aunque la trama funciona muy bien (enganchando al lector) y tiene algunos recursos que resultan en cierto sentido originales provoca una continua sensación de Dejà vu, de que eso ya lo has leído en otros lugares, de que sabemos quién lo ha hecho. Por otro lado el contenido lateral a la trama, todo el reflejo del pensamiento pseudo-comunista de Larsson, resulta en cierto sentido excesivo y pretencioso, sobre todo al final cuando parece que el protagonista salva la economía mundial, con su particular lucha contra un tiburón financiero. A pesar de ello, en muchos momentos constituye un acertado dedo en la llaga en el corazón de la autocomplaciente sociedad sueca.


Lo que hace a esta novela diferente es el personaje de Lisbeth Salander. Es un personaje interesante, desequilibrado, egoista y oscuro, pero de una extraña bondad y atractivo. Una chica de aspecto gótico-ciberpunk con síntomas de Asperger (¡cuantas veces a aparecido en la literatura este síndrome últimamente! ¿no creen?) y con unas excepcionales capacidades. Sin duda es la sal de la novela y supongo que será el centro radical de las otras dos. El problema es que a mi en ningún momento me llega a fascinar, ni a enamorar, ni a aterrar; y lo que es peor el resto de personajes son completamente impersonales. El otro protagonista Mikael Blomkvist esta tan inspirado por el mismo autor que su voz no se distingue del narrador, y en el caso del resto de los personajes (algunos de ellos malvados o torturados seres humanos) no se distingue en su voz una personalidad que les diferencie, son planos y monótonos a pesar de que Larsson trate infructuosamente de construirles biografías complejas.

En conclusión lo que le falta a la novela para tener el rango que algunos ya le dan es poética. Al autor, que es mucho más periodista que novelista, le falta habilidad literaria; no manejar sentimientos y pensamientos con tanta frialdad, con ese estilo y ese lenguaje propio de las páginas salmon que tanto critica para dal algo de colorido a esta buena idea suya.


En cuanto a la película se trata de una correcta adaptación. El casting parece adecuado y las actuaciones ( las he visto dobladas) parecen estar a un nivel correcto. Técnicamente no presenta un mayor reto para ningún director y Niels Arden Oplev ( un desconocido al menos por aquí) ejerce de obrero eficiente. En cuanto a la adaptación del argumento, el guionista adapta en lo básico pero no es capaz de transmitir todas las ideas que Larsson pretende exponer acerca del desmoronamiento del Swedish welfare. Por lo tanto sólo recomiendo la película a fans de la novela y si tengo que elegir entre ambas, como casi siempre, me quedo con la novela.

Redecoración y mudanza

Llevo tiempo sin actualizar y como siempre no tengo ninguna excusa para ello, tengo bastantes cosas que me gustaría comentar (sobretodo películas aunque tambien un ciclo de música y algo sobre el fenómeno editorial del momento) y espero a lo largo de la proxima semana actualizar por lo menos una vez.

Si alguno de vosotros es habitual de este blog (si es que existe alguien así) habrá visto que he decidido cambiar un poquito el aspecto del mismo, me gusta más con estos colores a negativo de celuloide gastado. Por supuesto animo a cualquiera a dar su opinión.

Por otro lado, quizás alguien se haya dado cuenta de que he eliminado todos los cuentos del blog, así como de la pagina de los cuentos que se hayaba aqui enlazada. La razón es que he inagurado recientemente otro blog en Wordpress (la competencia) que estará dedicado unicamente a mis creaciones literarias personales dejando este Everybody goes to Rick's dedicado unicamente al comentario y opinión de cultura en general, creo que así cada uno de ellos tendrá una mayor coherencia temática. Espero que os guste el nuevo:

PALABRAS GASTADAS

Eso es todo, espero veros por ambos espacios.

Jesús F. Bes

Mayo 68 (2) : Primavera de Praha

Hace como un año dedique una entrada a hacer una reseña histórica de los sucesos que sacudieron Francia durante la Primavera de 1968 y prometí profundizar más en lo que ocurrió en el resto del mundo alrededor de ese "mes de los sueños". Así que hoy un año después me voy a centrar en unos sucesos ocurridos simultáneamente con la Revolución cultural francesa en el entonces llamado estado de Checoslovaquia.

La razón por la que escribo este artículo es, además de mi fascinación por los sucesos que sacudieron el mundo durante esa primavera, la idea de que me parece necesario refrescar estos hechos en la memoria colectiva. Por ello hablé en su momento de las protestas de la plaza de Tian'anmen contra la represión del Partido Comunista Chino, porque, a pesar de todo, aún creo en el progreso y aunque como dice el tango "el mundo fue y será una porquería (...) en el 506 y en el 2000 también!" vamos a mejor lentamente y con muchos pasos atrás pero tengo la convicción (ingenua quizás) de que vamos hacia adelante.

Expliquemos los hechos.

Cuando el eslovaco Alexander Dubček llego al poder del partido en enero de 1968, a pesar de su conocido carácter reformador, nadie hacía presagiar que pretendiera llevar a cabo una reforma tan profunda del sistema que regia el país (Comunismo sovietico stalinista). Empezó a hablar de darle un rostro humano al socialismo. Eso implicaba una defensa de la individualidad que se traduce en mayores libertades individuales (prensa y opinión) y algunas aperturas liberalistas.

Aunque ninguna de estas reformas atacaba directamente contra el nucleo del comunismo (no permitia la propiedad de las empresas ni los partidos independientes por ejemplo) y ni siquiera significaba una ruptura con el bloque del este, los sovieticos liderados por Brezhnev se sintieron tremendamente atacados por ellas y su respuesta no se hizo esperar. Así que este programa de acción que se trato de desarrollar durante la primavera del 68 fue aniquilado por las tropas del pacto de Varsovia que en la noche del 20 de Agosto invadieron el país con alrededor de 200.000 soldados y más de 2000 tanques matando a 108 personas.



A la invasión siguieron una serie de protestas no violentas entre las que destaca la trágica inmolación de Jan Palach el la plaza de Wenceslao de la capital checa. Evidentemente los sovieticos acabaron imponiendo su visión del socialismo ante la pasividad del bloque capitalista al que no resultaba demasiado comodo tampoco la tercera vía checoslovaqua, pero el recuerdo de la primavera de Praga ha servido como referencia de la izquierda europea y de la lucha contra el pensamiento único así como inspiración de la revueltas que años más tarde sucederian en Croacia y en Pekin.

Pagerank 1

Este año tengo este blog bastante abandonado. Mi especial situación personal actual junto con mi enorme pereza me ha hecho tener una tasa de actualizaciones ínfima, por ello me ha alegrado hoy enormemente ver que Google me ha puntuado con un pagerank 1 cosa que sinceramente nunca esperaba alcanzar y menos hoy en día. Así que espero cuando vuelva ponerme a actualizar y en un año alcanzar el pagerank 2. Por ello desde aquí lanzo una oferta:

Se ofrece puesto de colaborador para blog de cine, literatura y cultura en general
Requisitos: Gusto por la cultura y tener algo que decir
Horario: Absolutamente, flexible; cuando y como quieras
Remuneración: El 50% de los ingresos
Interesados responder en comentarios

Nueve Reinas: Amor por el engaño

Hoy vuelvo tras mucho tiempo sin publicar y vuelvo con una entrada sencilla, una simple crítica de cine. Estoy preparando algo especial para el mes de mayo que empieza, no se si os gustará a todos pero creo que tengo que hacerlo. En todo caso eso ya llegará, hoy una película argentina: Nueve Reinas.

En este caso lo que más me interesa es comentar la trama en si, asi que en primer lugar haré un comentario general de la película para los que no la hayan visto y luego me hacen el favor de cerrar el navegador, conseguir la película, verla, volver a abrirlo y comentar conmigo su interesante trama.

Nueve Reinas es la opera prima como director de Fabián Bielinsky, fue estrenada en 2000 ( en plena crisis argentina) y sirvió para dar fama a ese gran actor que es Ricardo Darín ( que incrementaría su papel en 'El hijo de la novia'). Nos encontramos ante una película de estafadores, llena de trampas, de cierto humor ácido y algo de crítica social excelentemente combinado con una dirección notable que destaca por su puesta en escena y unas actuaciones encomiables ( si se fijan y ven alguna mala actuación, alguna linea dicha sin la entonación debida, entonces mosqueense: les están timando los personajes ) entre las que destacan por su carisma los dos protagonistas: el citado Darín y Gastón Pauls. Simplemente decirles que es entretenida, tiene compromiso social y está bien hecha: Véanla ( Y no sigan leyendo hasta que lo hagan ).

* * ***

Lo cierto es que la trama que muchos han considerado retorcida a mi me pareció que tenia el final natural, llevaba varios minutos esperándome ver como el dulce Juan/Sebastian lo tenía todo bien atado. Llamenlo instinto, experiencia o simplemente deseo de espectador, pero estaba en lo cierto. La verdad es que los últimos nueve minutos de película constituyen varios finales y da la sensación de que Bielinsky opta por el más comercial. Tras la escena del banco todo podría acabar, y mostrar que estos estafadores de poca monta han sido finalmente estafados por los gobernantes y banqueros que llevaban años sangrando al país. O quizás podría añadirse un Happy ending tras la dulce escena del metro en el que Valeria y Juan/Sebastian acabasen juntos, pobres pero felices. Pero Bielinsky opta por el efectismo, y le sale bien.

La verdad es que el espectador es engañado en ciertas escenas en las que Juan esta solo y parece abatido, en este caso el director juega sucio pero se lo aceptamos dada la temática. Parece decir, "Pibe, so también tengo que ganarme el pan, dejame hacerle algún truco". En todo caso si obviamos esas escenas, hay varios casos en los que parece que Juan lleva el control aunque Marcos aparente ser el que esta a punto de timar, o al menos da la sensación de que las cosas no le van a salir bien a Marcos. Marcos hace siempre lo que se espera de él, en cambio todas las reacciones de Juan resultan al menos extrañas. Además el personaje del mafioso español no acaba de cuajar en ningún momento, personalmente me pasé media película pensando: "¡que mal actor es este ( español tenía que ser)!", hasta que pensé....quizás él que es un mal actor es el personaje. Por último el personaje de Valeria siempre con una escoba metida por el culo, resulta tan excesivo que en cuanto lanza un par de miradas dulces en cierta forma se desvela.

Y ustedes pensarán que esto no dejan de ser ideas 'a posteriori', cosas que notas inconscientemente y que cuando todo cuadra ves claramente, seguramente tengan razón. Pero sirven como notas para un segundo visionado, para ver si todo esta bien montado y ver si la película en realidad merece el crédito recibido.

Gran Torino: Eastwood y el cine de emociones

Hace tiempo que no tengo duda de que Clint Eastwood es uno de los más grandes directores en activo. Con esta última película suya "Gran Torino" se vuelve a confirmar su dominio del lenguaje cinematográfico y su absoluta facilidad para hacer llegar mensajes y emociones al telespectador.




Este californiano casi octogenario, que se hizo famoso por su papel como el inspector Harry Callahan "el sucio" y por su personaje sin nombre en los Westerns de Leone, hace ya casi dos décadas que alcanzó el máximo reconocimiento como director con "Unforgiven" (1992), una de las películas más relevantes de los últimos años. Desde entonces (quizás un poco antes con "Bird") lleva demostrando que es uno de los directores que mejor cine hace en la actualidad, siempre con un toque clásico, con historias emotivas y agridulces (a veces melodramáticas) y que llegan al tejido sensible del espectador.

En Gran Torino vuelve a ponerse delante de la cámara (además de detrás) para elaborar esta fabula sobre la perdida de valores, el envejecimiento, la soledad y el choque cultural. Esta película no deja de ser un valiente balazo contra las consciencias de la americanos que se van despertando de una guerra que agoniza. Parece leerse entre su metraje "Esto no se ha acabado, lo que habéis hecho seguirá acompañandoos toda la vida".

Para ello utiliza el personaje de Walt Kowalski, americano de toda la vida (es decir inmigrante polaco de segunda o tercera generación) patriota, malhumorado, chapado a la antigua y ex-combatiente de Korea ( se agradece que se hable de guerras distintas a la tan trillada guerra de Vietnam, parece que fue la única en la que se masacró inocentes) que de repente se haya viejo, enfermo y sólo en su barrio de siempre que se ha convertido en un ghetto para inmigrantes asiáticos. El choque que tendrá con sus vecinos y las bandas del barrio, detonará en Walt ciertos sentimientos que le harán sacar lo mejor y en algunos momentos lo peor de si mismo.

Tiene un guión de un esplendido ritmo y unas interpretaciones muy convincentes : el personaje de Eastwood resulta curiosamente cómico y tierno casi toda la película,l a vecinita asiática es realmente encantadora y el cura jovenzuelo resulta el contrapunto moral necesario para desarrollar todo el mensaje de la cinta. Nos encontramos con una gran película que además presenta un final esplendido, por imprevisible y por significativo.


Técnicamente esta muy depurada, Eastwood realiza una película sobria como siempre, sin florituras con una fotografía realista dándote siempre la sensación de que lo que te esta contando es la pura realidad.

Si la comparamos con "Million Dollar Baby" esta es menos lacrimógena con menor mensaje emocional pero con más mensaje social. No deja de ser una hermosa denuncia del racismo y la perdida de valores en el medio oeste americano además de una tierna fábula sobre el valor de la vida simbolizada por ese brillante Gran Torino del 72.

81ª Entrega de los Oscars

Para los que vivimos en Europa ver la gala de los Oscars es bastante difícil dado el cambio horario. Por ello este ha sido el primer año que la he visto ( sólo en parte) y en las siguientes lineas les contare mi opinión sobre la misma.

• Hugh Jackman y la gala en su conjunto

El australiano Hugh Jackman se estreno como maestro de ceremonias de la gala de los oscars con la intención de que su gran carisma le funcionara también para presentarla. Y parece que la cosa le salió bien. Estuvo divertido, pero no graciosete, y sus números musicales eran un entretenido intermedio entre entrega y entrega. Cabe destacar el primer numero musical para mi genial en el que parodiaba con muy poco atrezzo, una gran coreográfica y buenas cualidades vocales las películas nominadas (y El caballero Oscuro), en el tuvo la ayuda de Anne Hathaway ( me encanta esta chica, quizás es porque según alguien me dijo una vez se da un aire a una ex-novia mía) que también estuvo explendida.

El resto de la gala fue muy comedida, con algo de humor de buen gusto, homenajes al cine de todos los tiempos y cierto aroma a Broadway. El escenario era espectacular y tenia la peculiaridad de que estaba muy cerca del patio de butacas por lo que la interacción presentador-estrellas fue fluida y dió bastante juego ( sobretodo al principio). El único que e salió un poco del guión fue Ben Stiller con su parodia de la actual apariencia de Joaquin Phoenix, pero en conclusión: mucho glamour, mucha corrección y sobretodo el cine por encima de los egos personales.


Me gusto especialmente la forma de entregar los premios a los actores y actrices: Primero se mostraba un video de diferentes actores y actrices que obtuvieron el premio a lo largo de las 81 ediciones y después 5 de los ganadores salían para presentar al premio, peloteando antes a cada uno de los nominados.

Por lo que he leído la gala fue perdiendo intensidad a medida que avanzaba pero era muy tarde y no estaba en condiciones de comprobarlo.

• Nominados y Ganadores

Película
Para empezar para mí la gran película de este año es Wall-e y la academia ni siquiera se digno en nominarla a mejor película, denostando a la animación. Evidentemente se llevo su premio a Mejor película de animación pero nada más, una pena.

En cuanto a las películas nominadas a mejor película, no creo que Slumdog Millionaire fuera la mejor. Es buena, entretenida, bien hecha, pero tiene un guión que hace aguas a medida que esta avanza, pierde fuerza y credibilidad. Creo que se hubiera sido más justo premiandole sólo la música, el montaje y la fotografía en lugar de los 8 oscars que ha obtenido. Mis películas favoritas eran: El curioso caso de Benjamin Button y The Reader.

Dirección
En cuanto a la dirección, Danny Boyle tambien la ganó por Slumdog Millionaire. Al igual que el apartado de mejor película, creo que el meticuloso trabajo de David Fincher en Benjamin Button es más interesante que la buena dirección de Boyle. La película de Fincher ha sido la gran denostada de la edición (junto con Mickey Rouke, ya llegaremos) ganando sólo el premio al mejor maquillaje, mejor efectos visuales y mejor dirección artistica. Escaso premio para una producción como esta. Mi Director favorito era: David Fincher.

Guiónes
El Mejor guión adaptado lo ganó Slumdog Millionaire, para mi injustamente, ya que si algo falla en esta película es el guión. Mi favorita era: The Reader.

En cuanto al mejor guión original, ganó Milk, es una de las pocas películas con varias nominaciones, junto con La duda que no he podido ver. En todo caso mi favorita era: Wall-e.

Actores y Actrices
Pe ganó. Supongo que es como hay que empezar, ¿no? Ganó el primer premio de la noche a Mejor actriz de reparto por su papelon en Vicky Cristina Barcelona y mi favorita era ella, premio justo y merecido. Tuvo un grán discurso además en el que se acordo y agradeció sus origenes (Bigas Luna, Almodovar, Trueba, Alcobendas) y al igual que Bardem el año pasado estuvo perfecta en la recogida de su premio.


Tambien ganó su premio Heath Ledger por el Joker como estaba cantado, aunque su entrega fue mucho más fria de lo que se esperaba, un mero tramite que su familia aceptaba sin muchos aspamientos. Premio justo y merecido tambien, aunque soy de la opinion de que el papel que hace en El caballero Oscuro no es de reparto sino de protagonista.

En cuanto a la Mejor Actriz Principal, este año era Kate Winslet y a poca gente le quedan dudas ( es dificil superar a Meryll Street aún así) ya que su papel en The Reader es magnifico, misterioso y envolvente. 10 para Winslet y 7 para la Academia por premiarla por fin (más vale tarde que nunca).

El Mejor Actor Protagonista lo ganó Sean Penn en una de las decisiones más parciales e injustas de la noche. Sabemos que a Hollywood le gustan los biopics y que por mucho que trate de ocultarlo Penn es mucho más politicamente correcto que Rouke. Pero Mickey Rouke se sale literalmente en The Wrestler y otro año más Penn (que es un gran actor) le quita el oscar a otro actor que se lo merece más como pasa con Bill Murray hace años. Mi favorito era : Mickey Rouke.




Conclusión
Buena gala (al menos lo que yo ví) y en cuanto a la entrega de premios: un poco lo de siempre, las votaciones son parciales y amiguistas, todas son grandes películas y actores pero hay distintos niveles y Slumdog Millionaire será olvidada en unos pocos años como lo fue Shakespeare in love o Chicago.

En todo caso, valió la pena el quedarse a verla

De mi Affaire con ... Godard

Con esta entrada inaguro una sección que no será periódica ni mucho menos en la que hablaré de aquellos directores que si bien no me gustan en el sentido estricto de la palabra su cine me parece que tiene suficiente jugo y personalidad como para analizarlo aparte. Hoy hablaré del genio de la Nouvelle Vague, del ídolo gafapastil, del pedante enfant terrible de las gafas de sol, de Jean-Luc Godard.

Aquí tenemos al genio mirando en estado de éxtasis su celuloide. Sabemos que en unos instantes cogerá la tijera y llegará al nirvana cortando y pegando la cinta.

Existe un momento en la vida de cualquier cinefilo que casi sin darse cuenta empieza a oir hablar de Godard, Truffaut y de la Nouvelle Vague del cine francés. Uno empieza a leer por ahí y descubre con sorpresa que el susodicho Godard y compañia redescubrieron el cine y sentaron las bases del cine moderno. Tras leer esto uno siente la necesidad inapelable de comprobar si es verdad, no sin antes haber leido alguna crítica en la que ponen a Godard a caer de un burro o lo culpan de los males del mundo. Hasta hoy he visto dos de sus obras: "A bout de Souffle" ("Al final de la escapada") y "Bande à part" (Banda aparte) y si soy sincero en este momento recorrer el resto de su filmografía no es lo que más me apetezca pero seguro que vuelvo a caer.

La primera película que vi por sugerencia de una amiga muy moderna y algo gafapasta fue "Bande à Part", las impresiones después de la foto.



Bande à Part (1964)

Cuando me acerqué a ésta película tenía como mayor referencia la imprescindible película de Bernardo Bertolluci "Soñadores" donde en cierta manera se homenajea a esta cinta (como a muchas otras). Lo cierto es que la película de Godard es un coñazo insustancial. Ahí se resume todo, pero iremos un poco por partes.

Para empezar diremos lo malo: el guión. La película es tan tonta como los personajes que la protagonizan. Sus motivaciones son nulas y no es que se dejen llevar por el ambiente, la sociedad o las circunstancias es que simplemente se mueven como niños con los ojos vendados golpeando la piñata. En la película no pasa casi nada, y lo que pasa, pasa tan lentamente que cuando acaba de pasar ya no te acordabas de lo que estaba pasando (les dejo un tiempo para asimilar la última frase mirando a Anna Karina).


Por otro lado las actuaciones aunque son aceptables, el libreto es tan superficial que no llegas a entender realmente a los personajes. Mención aparte merece Anna Karina, que interpreta a una cría tan guapa como estúpida (dando la sensación de que ambos adjetivos son tan válidos para el personaje como para la actriz).

Por último la voz en off del propio Godard narrando lo obvio de las situaciones con la voz más monotona posible no hace más que aumentar el sopor.

¿No hay nada que se salve? Claro que si. Tecnicamente es bastante innovadora (creo que menos de lo que se le atrivuye) y la secuencia del Louvre, la del cafe del Quartier Latin y alguna otra cosa como una ruptura de la cuarta pared a través de la mirada de Anna hacen que la película valga algo la pena. Además el plano secuencia final resulta admirable, si bien da la sensación de que ya se ha visto antes y mejor puesto en escena. Pero seamos serios esto es una película destinada al publico (aunque sea a un publico de un nivle cultural determinado) no un film de Arte y Ensayo, así que le falta coherencia para resultar una buena película. En este sentido parece el cuaderno de anotaciones de un buen escritor, tiene grandes ideas, pequeños silogismos de alto contenido estético pero sin nada que lo vertebre.

Una vez vista esta película parecía tener clara mi opinion de Godard pero aún asi no pude evitar acercarme a su primera película "A bout de Souffle" que según la critica especializada:"Sin este pequeño inmenso filme no se entendería nada del cine posterior". Tocate los cojones, como para no verla. ¿La opinión? Despues de la fotico.




A bout de souffle (1960)

En esta película se nota que en el guión Godard tuvo alguna ayudita del más experimentado Truffaut porque toda ella tiene mucho más sentido.

El guión es atractivo, así como los personajes y tiene un ritmo bastante rápido que contrasta con la lentitud de la película anteriormente comentada.

Belmondo hace un papel impecable (aunque según cuenta el director no se sabía sus lineas) y con toda su fealdad resulta un galán al que todos tras ver la película nos gustaria parecernos, aunqu(en este sentido el personaje logra asemejarse a su admirado Bogart).J ean Seberg esta estupenda, muy atractiva pero a la vez tiene ese toque de independencia emocional e intelectual del que carece el personaje de Karina en Bande à part (quizás sea gracias a ese corte de pelo y la camiseta del Herald Tribune).

La película resulta una suerte de revisión del cine negro visto desde una óptica distinta y renovadora, una autentica película de un joven y ambicioso director que todavía no había sido elevado a los altares. En la que además Godard mete interesantes autorreferencias como su cameo (decisivo para la resolución de la cinta) o la chica vendiendo los "Cahiers du cinema" (donde Godard y muchos otros futuros directores ejercian de críticos.

En todo caso desde el punto de vista técnico valoro positivamente la innovación en la fotografía. Existen toman muy interesantes como las de la escena del coche de Belmondo casi al principio en el que la camara esta situada en el asiento de atrás y en el capot alternativamente. El montaje es otro cantar, a mi entender es una chapuza.

La idea inicial parece ser hacer un montaje ligeramente inconexo para dotar a la película de un dinamismo diferente en el que las acciones no ocurren de manera continua sino a pequeños saltos en momentos oportunos. Esta idea que parece y es buena se torna un poco menos interesante cuando Godard tijera y pegamento de barra en mano se dedica a cortar y pegar donde le viene un poco en gana sin ningún objetivo narrativo ni estético más que el de marear al espectador en el momento que le parece oportuno.

En todo caso estas pequeñas fallas son menos de las que le podemos admitir a una película debut, por lo que "Al final de la escapada" si que es una película notable, aunque sobrevalorada, pero notable al fin y al cabo. Y que como añadido tiene el honor de haber creado el celeberrimo gesto del anuncio de Martini y eso amigos si que es una buena herencia.

Proximamente en mi Affaire con............

Un documento muy interesante

Acabo de descubrir uno de esos documentos que de vez en cuando se encuentra en esa maravilla que es YouTube. Es una entrevista de TVE de 1977 en el programa "A fondo" al maestro Julio Cortazar. Aquí le paso el primer video de 13 que forman dicha entrevista larga, profunda y sincera.

Entrevista a Julio Cortazar 1/13

Realmente a cualquiera que le guste Cortazar o la literatura en general debería verla. Muy interesante no sólo la profundización en su vida sino por muchas claves que desvela de su forma de escribir y de ver la vida.

Cortazar es uno de los más grandes escritores en lengua castellana y además es único en su visión de mundo y del hombre y conocerlo tan profundamente como te permite esta explendida entrevista (aderezada con whisky según se ve en el video 8) es algo más que me parece una experiencia más que interesante.

De Se7en a Zodiac

David Fincher es uno de los directores más controvertidos de los últimos años. Considerado un genio por algunos y denostado por otros lo cierto es que el realizador de Denver ha logrado abrirse con los años un hueco en un Hollywood que nunca mira con buenos ojos a los directores de videoclips, que ha culminado con su reciente nominación a los Oscars por la dirección de "El curioso caso de Benjamin Button".

Hoy me gustaría centrarme en su segunda y penúltima películas: Se7en y Zodiac, dos maneras opuestas de ver el thriller. Quizás otro día hable de alguna otra de sus películas.

Ahh, Antes de nada, va a haber spoilers.


Se7en es un gran thriller, tenso y trepidante, con dos grandes actuaciones (Spacey y Freeman) y una estupenda puesta en escena. Si hay algo que maravilla de esta película es lo bien rodada que esta, lo densa de su atmosfera, es una película oscura,opresiva. Para mi esas son las razones por las que Se7en funciona tan bien, entretiene y te mantiene en tensión, sobretodo en esta magnifica escena final.

Pero tiene fallos, sobretodo de guión. Digamos qur tiene demasiadas trampas, no resulta muy convincente la forma en la que se resuelve todo, y todos las imitaciones que se han hecho de Seven desde que se estreno esta (y son muchas , algunas realmente grotescas) pecan del mismo problema, falta de naturalidad en el desenlace. Por otro lado la actuación de Pitt me parece poco convincente, sobretodo en la escena del final, con sus cambios de cara sus muecas y su conflicto interno, estará todo lo bueno que quieran pero no me lo creo (en otras películas suyas si me ha gustado más).



¿Ven todo lo que he dicho de Se7en? Pues Zodiac es lo contrario. Hay gente que piensa que la realidad no daba para hacer una película de 3 horas, sobre un caso que aún esta abierto. Yo creo que si.

Fincher se inventa un genero nuevo: el Docu-thriller. Y renuncia a efectismos y a giros estramboticos de guión para narrar de manera impecable la obsesión de unos periodistas y unos policias por encontrar a un psico-killer. Y es realista no sólo por basarse en hechos reales, sino por la honestidad y meticulosidad con la que Fincher trata este material, sin dejar de permitirse un par de escenas oscuras y opresivas como la del sotano del cinematógrafo.

Y si su duda es si me aburrio, no, no me aburrio. Me parece que tiene un buen ritmo, que te hace sentirte como los personajes (los tres protagonistas están magnificos): perdido y confuso, pero metido dentro de la trama. Se siente la madurez del autor y da la sensación de que tiene mucho más que ofrecer. Zodiac es una obra maestra, si a alguien le decepcionó es porque fue a buscar lo que no era cuando la vio.

True Blood : Vampiros tomados en serio

Aquellos que más me conocen saben que los vampiros son una de mis grandes debilidades. Desde siempre ha sido un mito que me ha atraido muy fuertemente. Por ello he consumido casi cualquier producto relaccionado con los vampiros que ha caido en mis manos, ya fuera un libro, una pelicula, un videojuego ...

Lo cierto es que con las decepciones que me he llevado me he vuelto bastante cínico. En realidad a parte de la obra maestra de Bram Stoker ( al que aún no ha leído "Dracula" se la recomiendo completamente, para mi uno de los libros más interesantes de la literatura universal ) y la primera trilogía de las "Cronicas Vampiricas" de Anne Rice existen pocas novelas interesantes al respecto. Y algo similar se puede decir de las películas, creo que no hay ninguna película que trate de manera adecuada a los vampiros modernos más allás de "Entrevista con el vampiro" y esta no deja de ser una adaptación adecuada de la novela de Rice. Por ello cuando leí acerca de esta serie de vampiros me mostraba bastante esceptico hasta que supe quien era su creador: Alan Ball, Creador de "A dos metros bajo tierra" y la maravillosa película "American Beauty".

Lo cierto es que ya de primeras la serie tiene un argumento diferente. Esta situada en un pequeño pueblo de Luisiana, Bon Temps, en un presente en el que los vampiros han salido a la luz y tratan de integrarse en la sociedad gracias a un invento japones: la sangre sintetica, que elimina su dependencia de los humanos para sobrevivir. En este contexto se da el encuentro entre la protagonista, una camarera con poderes telepáticos (Anna Paquin), y el primer vampiro que va a vivir al pueblo (Stephen Moyer) mientras empieza a haber muertes que parece que tienen algo de relaccion con este.

Lo cierto es que la serie esta muy bien hecha. Tiene un guión realmente bueno, con unos personajes tanto principales como secundarios complejos e interesantes y que mezcla tramas de diverso genero de manera magistral. En ocasiones nos parecerá estar ante una comedia de humor negro, en otras ante una serie policiaca o en otras en algo cercano al terror. Otros puntos a destacar son los actores que estan bastante bien, el señor Moyer hace muy bien del vampiro Bill (premio para el que hizo el casting), y la dirección y realización que son de gran calidad. Además en esta serie, contrariamente a la típica moralina estadounidense, el sexo es básico en la trama y se muestran escenas de sexo explicito de manera natural (sin esbozos de sabana sobre los pechos).


Además del desarrollo de la serie en si me gusta mucho como trata todo el mito vampirico Ball. Este tio sabe de que habla. Se ha leido toda la literatura acerca de los vampiros modernos (iniciada por las Cronicas de Rice ) y selecciona lo que a él le parece más razonable. Así nos encontramos a unos vampiros sensuales y oscuros, con diferentes grados de humanidad y sentimientos, poderosos pero no invulnerables, sin relacción directa con la religión y demás supersticiones.

No digo nada más. Yo he visto la primera temporada en unos pocos dias (12 episodios de 50 minutos ) y me ha encantado. Pruebenla, no se queden en el piloto lleguen al menos al cuarto capítulo, y ya me dirán si les ha gustado el sabor.

P. D. - Un articulo de Vampiros sin nombrar Crepusculo........BIEN!!!!!!!!!!

Wall-e: Algo más que animación

Siempre que me enfrento a una nueva película del binomio Disney-Pixar voy con la tranquilidad de que como mínimo terminaré la película con una sonrisilla de buen rollo. Con Wall-e no las tenía todas conmigo; había leido y oido tantas buenas (o muy buenas ) críticas que iba con el miedo de salir diciendo "me esperaba más" (guiño-guiño). Pero no. No me ha decepcionado lo más minimo.

Wall-e es, por decirlo de manera simplista, una revisión de "2001 Una Odisea en el Espacio" hecha en animación, igual de preciosista, con una hora menos de planos incoherentes (aunque hermosos) y con un mensaje que entiendes.

El parrafo anterior es una forma burda de resumir lo que me ha transmitido la película, intentaré profundizar más.

Desde el punto de vista de la animación en sí, Wall-e es tan sobrecogedora como la anterior obra maestra de la pixar: Ratatoille. Pero si Ratatoille simplemente te impresionaba con las luces de Paris y el detalle de la comida que casi podías oler, en Wall-e se nos tratan de transmitir muchos más sentimientos sólo con la imagen (y una magnifica banda sonoro en la que ya no aparecen cancioncillas horteras, menos mal), no en vano la película es en gran parte una película muda y Wall-e recuerda fuertemente a Buster Keaton en sus mejores momentos. En todo caso tanto la soledad, la desolación , la ilusión o el excentrico amor de los protagonistas nos llega directo y crudo sólo con la imagen.

El hecho de que los robots no hablen no resulta aburrido ya que la gran expresividad de la que estan dotados (¡¿ Cómo lo han logrado?!!!!) hace que tanto los más niños como los mayores puedan disfrutar a su nivel de las aventuras de Wall-e.

En cuanto a la historia no deja de ser la típica historia Disney con Hollywood ending, pero en este caso tiene algo más. Para empezar no hay un villano claro al que echarle las culpas del destino de la humanidad (aunque más tarde aparezca algo parecido a un villano). Por esta razón el mensaje que trata de transmitir la película llega tan bien. Este mensaje anticonsumista y ecológico resulta un poco cínico viniendo de una coorporación como la Disney, pero eso no le quita validez al discurso ni a la forma de contarlo.

En conclusión, no se si es la mejor película del año pero creo que ha presentado una candidatura muy seria para oponerse al Caballero Oscuro.

P.D. - Si fuera una película de personas y con un final menos feliz la tendriamos ya por delante del padrino seguramente en muchas listas.