James Bond

Y no soy el único que lo piensa.

El elenco artístico de Medianoche en París (2º Parte)

Continuamos el recorrido por los personajes artísticos e históricos que aparecen en Midnight in Paris. En esta segunda parte aparecerán algunos curiosos personajes que resultarán más reconocibles al lector español.

• Pablo Picasso (Marcial Di Fonzo Bo). Poco que decir de Picasso. Simplemente recalcar que el Pablo Picasso que aparece en la película es un joven recién llegado a París y que empieza a hacerse notar y a formarse como el gran artista que llegará a ser.

• Juan Belmonte (Daniel Lundh). Aunque en algunos ámbitos no duden en denominar al toreo como un arte, a mi me cuesta ponerle ese apelativo. En todo caso Juan Belmonte fue un torero de gran prestigio en la época y reconocido como un renovador de su oficio además de ser un gran amigo de muchos personajes de la cultura, cambiando la imagen existente de los matadores de toros.

• Los surrealistas: Dali, Man Ray y Buñuel (Adrien Brody, Tom Cordier y Adrien de Van). Probablemente una de las escenas más recordadas sea cuando estos tres peculiares personajes (especialmente el gerundense Salvador Dali) aparecen al protagonista en un café. Tanto el pintor (entre otras mil cosas - ver) Dali como el cineasta Luis Buñuel son muy conocidos para el público, pero quizás Man Ray, fotografo, cinematógrafo e impulsor en general de diversos movimientos vanguardistas; sea más desconocido.

• Los impresionistas: Toulouse-Lautrec, Degas y Gauguin (Vincent Menjou Cortes, François Rostain y Olivier Rabourdin). Por último en otro salto temporal que sufren los protagonistas, se encuentran con todo un elenco de pintores impresionistas y post-impresionistas, entre los que podemos destacar a estos tres, todos ellos bien conocidos. Es curioso pensar que todos estos artistas de cuyas obras se venden hoy en día carteles y replicas a miles murieran en soledad y pobreza.

Esos son a grandes rasgos los personajes artísticos que aparecen en la grandiosa película Midnight in Paris. Dueños de una vida deseable para el protagonista aunque fuera trágica y cruel con la mayoría de ellos. Quizás ese sea el mensaje de la película, deseamos lo que no podemos alcanzar simplemente por ser inalcanzable.

El elenco artístico de Medianoche en París (1º Parte)

En la recientemente estrenada película de Woody Allen, Medianoche en París (Midnight in Paris, 2011) se le aparecen al protagonista una gran cantidad de artistas: escritores, pintores, músicos, escritores y cineastas. Alguno de los cuales son muy conocidos pero otros para el espectador español medio pueden ser completamente desconocidos. Por ello, a continuación trataremos de explicar brevemente quienes son todos estos personajes que pueblan esta gran película.

• Cole Porter (Yves Heck). Fue un compositor y letrista norteamericano conocido entre otras muchas canciones por Night and Day o I've got you under my skin. Abiertamente homosexual aunque casado con una mujer, Linda, 8 años mayor que él. Sus extravagantes fiestas en su palacio de París fueron tremendamente conocidas.

• F. Scott y Zelda Fitzgerald (Tom Hiddleston y Alisson Pill). F.Scott Fitzgerald es junto con Hemingway probablemente el escritor más importante de la llamada "Generación perdida" de escritores americanos. Su obra más conocida "El Gran Gatsby" resume su visión del mundo y de su clase social. Su esposa Zelda Sayre, inspiradora de muchos de los personajes de su marido y también novelista de éxito, sufría esquizofrenia y acabó muriendo a los 47 años en un incendio en el hospital psiquiátrico en el que estaba internada. La princesa Zelda de los juegos de Nintendo "Legend of Zelda" está nombrada en su honor.

• Ernest Hemingway (Corey Stoll). Uno de los protagonistas de la película principalmente por su interesante personalidad. Probablemente sea el escritor estadounidense más importante y conocido del siglo XX. Famoso entre otras obras por esa grandiosa novela basada en la Guerra Civil Española titulada "Por quien doblan las campanas". Se suicidó de un disparo de escopeta a los 62 años.

• Gertrude Stein (Kathy Bates). Esta poetisa y escritora estadounidense es probablemente más desconocida para el público, pero era un figura importante en el París de la avant-garde no tanto por su obra como por su mecenazgo de artistas como Matisse o Picasso. Se puede decir que su casa se convirtió en el centro cultural del centro cultural del mundo.

• T. S. Eliot (David Lowe). Si Hemmingway es el novelista americano, Thomas Stearns Eliot es probablemente el poeta estadounidense más importante del siglo XX. De numerosas influencias, podría perfectamente haber pertenecido a la generación del 28 de haber nacido en España.

• Henri Matisse (Yves-Antonio Spoto). Dejamos la literatura para centrarnos en la pintura. Y en este campo Matisse es el pintor más representativo del fovismo, un estilo expresionista con ciertos puntos en común con el expresionismo aleman. En la película se le ve como asiduo de casa de Gertrude Stein junto a Picasso, otro de los grandes genios de la pintura del siglo pasado con él que continuaremos este recorrido del elenco artístico de Midnight in Paris en una próxima entrada.

Funny Games: Juegos con los que te partes

Cuando Michael Haneke rodó su primera versión de Funny Games a mediados de los 90 (1997) muchas películas de éxito tenían una alta carga de violencia. Por ejemplo ese año teníamos películas como L.A. Confidential, Starship Troopers o Con Air; el año anterior Fargo; unos años antes Pulp Fiction, etcétera. Independientemente de la calidad de estas películas, en muchas de ellas el entretenimiento surge de la misma violencia (explicita o implicita) que contienen.

En este contexto el director austriaco nos presenta una reflexión dura, extrema y probablemente sádica sobre la violencia como entretenimiento. Antes de decir nada y por si no la habeis visto os dejo el primer minuto de la película:

La situación de tranquilidad de esta familia de vacaciones pronto será rota por un violencia repentina, brusca y caótica, como la música Hardcore que irrumpe en medio de la música sinfónica o esas letras rojas burdamente superpuestas en la imagen. Los sádicos "juegos" de dos niños pijos aburridos desembocarán en un auténtico infierno y en una de las narraciones más repulsivas de la historia del cine.

Las dos principales armas de Haneke para atacar nuestra conciencia son:

• La violencia fuera de cámara, la mayoría de las escenas más duras no se ven directamente y esto resulta más impactante que la casquería barata de otras películas.
• Los sádicos protagonistas "rompen la cuarta pared", dirigiendose directamente a los espectadores, en varias ocasiones normalmente para recordarles que es todo ficción.

Y esta última técnica es la que de verdad hace novedosa y diferente a esta película y la que le hace funcionar tan bien. Cada vez que Paul (Arno Frisch) se dirige directamente a la cámara hace de alguna forma participe al público en su juego psicótico, lo siente todo más real. Y cuando acaba no puedes quitarte de la mente lo que has visto y lo que no has visto por mucho que sepas que es ficción haciendo que te plantees tu malsano gusto por la violencia y también el del mismo Haneke, que a pesar de que su crítica es clara no podemos dejar de pensar que es necesario un buen nivel de sadismo para hacer algo como esto.

En definitiva una película para plantearse el entretenimiento actual e incluso la atracción humana por la violencia con una película dura, extrema y que probablemente os haga sufrir más que pensar. En todo caso hay que verla.

P.D. - Existe otra versión de la película, rodada en USA por el mismo Haneke en 2007 que según dicen es idéntica plano a plano a la versión de 1997, pero no la he visto.

El que más: Principal muro de carga

Con un ritmo de actualización mucho más lento de lo que esperaba os presento la segunda entrega de "Los pilares del Heavy Metal en España" en la que trato de resumir la evolución del Heavy Rock hispano desde sus comienzos hasta la actualidad. Si en la primera entrega os hablé del Volumen Brutal definiendolo como pilar central del movimiento, hoy vamos a analizar una de las obras principales de la que probablemente sea la segunda banda, después de los Barón, más influyente del Heavy en español. Obús, y su tercer disco Él que más.

• Antecedentes

Ya conocimos en la anterior entrada el contexto histórico-político de España a principios de los 80. Básicamente situación de crisis y paro (les suena). En 1982 el P.S.O.E. gana las elecciones generales poniendo fin a la transición y enseguida empezó a "traicionar" a parte de sus electores con la entrada en la O.T.A.N. ("O.T.A.N. en principio NO"). Así que 1983, cuando Obus lanza El que más el contexto era similar a 1981, simplemente la transición había acabado, el 23-F había pasado y todo seguía adelante.

En cuanto a la banda. Obus había nacido a principio de 1980 fundada por Juan Luis Serrano y Francisco Laguna, bajista y guitarrista respectivamente, y evolucionó con la incorporación de Manolo Caño y posteriormente Fernando Sanchez hasta que en Abril de 1981 entró Fortunato (Fortu) Sanchez como vocalista. Ese mismo año ganaron el trofeo "Villa de Madrid", trofeo que llegó a tener un gran prestigio en los 80 y que lanzaba al estrellato a la banda que lo ganara.El sonido de Obus es más metalero que el de Barón. Con una imagen más potente y más dura (claramente inspirada en Judas Priest) y una música más directa. Las letras además resultan mucho menos elaboradas que las de Barón Rojo, tratando principalmente de drogas, sexo y Rock and Roll y en gran medida del retrato social de su barrio: Vallecas.

Por lo que Obus destaca pronto es por su poderoso y espectacular directo (que siendo sinceros aún, 30 años después, conservan) llegando a llenar estadios y pabellones en la gira de su primer disco, Preparaté (1981). Posteriormente lanzaron Poderoso como el trueno (1982), producido (al igual que el anterior) por Tino Casal. A pesar del enorme éxito de estos dos primeros álbumes, Obus llegaron a estar en el número 1 de los 40 principales en 1981, algo impensable para una banda de Heavy Metal (tanto antes como ahora), su consagración definitiva llegó con su tercer álbum El que más.

• El disco

En 1984, siendo Obus el autentico referente en la escena metalera nacional (hay que tener en cuenta que el estilo de Barón Rojo estaba más cercano al Hard/Heavy Rock y ellos mismos eran reticentes a llamarse heavies), graban el dísco "El que más" en los estudios Mediterraneo de Ibiza con la ayuda del productor estadounidense Mark Dodson, productor de Judas Priest, con el objeto de conseguir un sonido más potente que les pusiera a la altura de bandas como Iron Maiden o los mismos Judas. La formación de Obus sería la misma de los dos primeros discos y que conservarían hasta 2004:

Fortunato Sanchez - Vocalista.

Francisco Laguna - Guitarrista.

Juan Luis Serrano - Bajista.

Fernando Sanchez - Bateria.

Si bien es cierto que el disco no es tan influyente como el Volumen Brutal de Barón Rojo, no es menos cierto que está repleto de un buen número de temas de calidad y constituye probablemente el ejemplo más claro de Heavy Metal de calidad hecho en nuestro país en la década de los 80 y por lo tanto sirvió de camino a seguir para la muchas bandas que aparecieron durante esa época y muy posteriormente. Analizémoslo tema a tema.

• Tema a Tema

El disco comienza con un tema lento y pesado Viviré, al más puro estilo Obus. Un riff de guitarra sencillo y un estribillo casi pobre. La letra es de denuncia social, el protagonista es un hombre exitoso pero que no considera que esté viviendo su vida, a pesar de las envidias de los demás que no están en su situación "privilegiada". En comparación resulta más bien mediocre.

El siguiente corte rompe con el ritmo anterior y tenemos Deprisa, deprisa que obviamente es mucho más rápida. De ritmo cabalgante pegadizo y energizante y con unas guitarras mucho más elaboradas, teniendo un solo de bastante calidad. La letra habla de las prisas de la gran ciudad, de la vida acelerada que llevamos para al final no llegar a tiempo.

Cuando llegas al tercer tema tienes la sensación de que lo que has oído hasta entonces sólo estaba ahí para calentar. Vamos muy bien es probablemente la canción más tarareada de Obus. Sencilla, directa, alegre: canción de bar. La letra habla de salir, pasarselo bien y emborracharse y de los efectos de estos divertimentos, de una forma desenfadada. Con un estribillo potentísimo introducido magistralmente resulta una canción excelente para esbozar una sonrisa en momentos bajos o pasarselo bien en momentos altos. Es curioso que siendo, en mi opinión, mucho mejor que la canción de temática similar de Ramoncín, Hormigón, mujeres y alcohol, ésta sea bastante menos recordada.

La cuarta Canción es otro de los himnos de Obus : Autopista. La canción empieza con un par de versos a capella de Fortu, sobre el ruido de un motor arrancando. Probablemente sea la canción más completa, con melodías trabajadas y pegadizas y un estribillo potente. La letra habla de otro de los temas preferidos de Obus, la velocidad. Además el tono seductor de la letra le da a Fortu la posibilidad de deleitarnos en los conciertos con sus aspamientos y comentarios "sensuales". Sin duda una canción por y para el directo.

La siguiente canción es F.M. que siendo sincero no me deja poso después de escucharla. Una canción instrumental del montón. Quizás en ella se nota que a Obus le falta un poco de calidad técnica para este tipo de temas que suplen con su inmejorable actitud. En todo caso no es que el tema desentone, sirve de más que correcta introducción al siguiente tema.

El que más, tema que da nombre al disco y viene a ser una canción dedicada a esos quinquis que tenían tanta visibilidad en la sociedad española de la época. En cuanto a lo musical tiene un ritmo similar a Deprisa, Deprisa aunque más depurada. La batería marca un ritmo endiablado toda la canción transmitiendo la sensación de huida que se relaja en el estribillo en el que se nos relatan las bondades de "el que más". Hay que destacar que aunque he comentado al principio que Obus centraba la temática de sus canciones en la representación de su barrio esta es de la primeras canciones del disco donde esto se ve de manera clara, siendo el resto de las canciones sorprendentemente intemporales.

La siguiente canción se titula La Raya y es una suerte de homenaje cómico a la cocaína que yo no comprendo. La verdad es que más haya de la letra absurda tampoco me resulta una canción interesante en lo musical, si alguien discrepa soy todo oidos.

La siguiente canción Alguien fue compuesta por el guitarrista de los Iron Maiden Adrian Smith. Es ciertamente una canción que tiene mucho más que ver con Obus que con estos últimos, por eso probablemente se la regalara a los Obus. Es una canción que habla de ocultarte de alguien que te acecha en clave de puro hard rock. Funciona bien.

La siguiente canción Da igual toca el tercero de los temas preferidos de obus: Velocidad, Drogas y Sexo. En esta canción graciosa y de ritmo divertido, Fortu expresa su necesidad de pillar con la tia que sea aunque sea un callo. La letra tiene momentos bastante graciosos. Parecida a sus otras canciones que hacen referencia al sexo como Yo solo lo hago en mi moto o Dame Amor.

La última canción del disco es Juego Sucio, que es una canción bastante cañera, rápida y potente. Su letra tiene mala leche y probablemente constituye una crítica a alguien que no tengo localizado. También es una canción que funciona muy bien en el directo debido a lo bien que consigue la integración del publico: todos conocemos a alguien así. En cierta manera me recuerda a Death on two legs de Queen con las obvias diferencias estilísticas de las dos bandas.

Este disco cerró la trilogía de máximo éxito de Obus, que lograrían mantener a duras penas con sus siguientes discos. En los 90 aparcarían el grupo para volver a principio del nuevo milenio con el asentamiento de las bandas de la nueva ola, pero eso es otra historia.

La próxima entrega cambiamos de registro. Ya tenemos montada la estructura, ahora vamos a hablar de algunos de los grupos que hacen que el rock de este país sea diferente. Hablaremos de Ñu (el único grupo del mundo con Ñ en su nombre).

Balada Triste de Trompeta: Un mal chiste sobre España

La última película de Alex de la Iglesia es un espectáculo grotesco, caótico, grandioso y complejo en el que en poco más de hora y cuarenta minutos se mezcla el peculiar mundo del director bilbaino con la historia reciente de España.

Es dificil describir el argumento del film en pocas palabras. La historia gira en torno a la figura de Javier (Carlos Areces) payaso de tercera generación durante los años 70. Los terribles sucesos de su niñez, muy relacionados con la dura y absurda historia de este país le marcan de manera brutal impiendole siquiera plantearse un atisbo de felicidad. En estas circunstancias conocerá a la trapecista Natalia (Carlonia Bang) que no hará sino precipitarle definitivamente a un violento triángulo (que cierra Antonio San Juan en el papel del otro payaso, Sergio) de violencia y autodestrucción.

Todo el mundo dice que ésta es la película más personal de de la Iglesia. Eso es poco decir. En "Balada Triste de Trompeta", Alex hace lo que le da la gana, no se corta lo más mínimo en las imágenes que plantea al espectador, creando un mundo que por un lado es fantasioso y terrorífico pero que por otro lado parece reflejar la absurda historia de este país con una lucidez aplastante.

La película funciona bastante bien más allá de la potencia de las imágenes, el ritmo es muy bueno y la historia resulta coherente; aunque es cierto que existe un tramo de la película, entre el suceso central del film que detona la caída en picado de los protagonistas ( en el caso de Areces simbolizada por varios minutos de metraje "en bolas" por el bosque) y la increíble escena del Valle de los caídos en el que da la sensación de que Alex (como guionista) se pierde un poco. En dicho tramo Aparecen algunos de los momentos más divertidos del film pero no aparecen conexos, no parecen aportar gran cosa al relato, son escenas sueltas, potentes, pero fuera de la historia. Dicen los entendidos que es debido a la ausencia del que hasta ahora había sido mano derecha de de la Iglesia: su co-guionista Jorge Guerricaechevarria.

En todo caso la película es una caída en picado a la locura, en un entorno de tintes expresionistas que representan una visión grotescamente lúcida de España. Existen dos momentos en la película que para mí reflejan esta lucidez de manera muy clara (no leáis los siguientes dos parrafos si no la habeis visto).

El primero es en la escena inicial en la que el ejercito republicano recluta a los dos payasos (Segura y Fofito) para luchar contra los rebeldes. En esta escena un imponente Fernando Guillén Cuervo hace el papel de un capitán miliciano que decide dar un machete al payaso tonto, Santiago Segura (que está vestido con un vestido rosa) para que masacre y "acojone" al ejercito rival. Ver a Segura con ricitos de oro y vestido destrozando a jóvenes uniformados con un machete no deja de ser una imagen muy representativa de lo que se vivió en este país hace 70 años.

La segunda escena es más bien una linea de dialogo. Areces ya con la locura en todo su esplendor está a punto de destrozar la cara de un escopetazo a un viandante cuando junto a ellos pasa el coche del Almirante Carrero Blanco que en ese momento salta por los aires en la imagen más importante de la historia de España en la segunda mitad del siglo XX. En ese momento el demente payaso se acerca al coche en el que los terroristas de E.T.A. comprueban su obra y les espeta: "Y vosotros, ¿de que circo sois?". Alucinante.

Párrafos atrás he denominado como increíble el clímax final en el valle de los caídos. Me parece una pena, que dado lo arriesgado de la película, el exceso que rezuma toda ella, mucha gente no pueda disfrutar de esta escena (claro homenaje a Hitchcock) que probablemente constituya un hito en el cine patrio. Pero estoy convencido que llegado a este punto del film, o estás asqueado completamente o entusiasmado. Lo dicho una pena.

En cuanto a los actores están todos magníficos. Uno echa de menos que los secundarios (la trouppe que forma el circo especialmente) tengan algo más de peso cómico en la historia. En cuanto a los protagonistas. Carolina Bang ( ¡Que no enseña las tetas! ) es absolutamente sensual y erótica. Antonio San Juan da escalofríos desde antes de aparecer en la pantalla, pero el que gana es Carlos Areces haciendo del payaso triste. No hace "ni puta gracia" en toda la película. En un papel humillante, duro, difícil, dramático este cómico se luce y es capaz de borrar del inconsciente del espectador su vis cómica.

Técnicamente es muy solvente, con una muy cuidada fotografía que es imprescindible para el ambiente expresionista que desprende el film. Me gustan especialmente como están tratadas las escenas a plena luz del día, los tonos, las texturas. Y la escena del elefante bajo la lluvia. Otro elemento imprescindible es la banda sonora, particularmente bien elegida, en la que en la parte final está omnipresente la canción de Raphael del mismo título.

Conclusión. Grandiosa y excesiva película, un chiste sin gracia, una tragicomedia de/en España pero sólo la recomiendo a aquellos a los que les guste Alex de la Iglesia. Al resto supongo que les asqueará.

Alien: Una "cuatrilogía" sin esencia común

Antes de nada tengo que dejar una cosa clara, no se si habréis oído que hay más de cuatro películas de Alien, pero que no os engañen Alien Vs. Predator y secuela no son películas de la serie Alien, son adaptaciones de videojuegos y como tal no son consideradas en este blog ( aunque cualquier día haré un monográfico de Uwe Boll). Dicho esto, la "cuatrilogía" de Alien es una serie curiosa dentro de la historia del cine. De un film a otro, la serie no sólo cambia el director sino completamente de enfoque siendo los personajes de Ellen Ripley (Sigourney Weaver) y de la bestia los únicos que vertebran las saga. Curiosamente este cambio de orientación en la saga no la degrada más allá del desgaste que produce explotar demasiado un cierto filón sino que, aunque para mi la calidad de la primera no la alcanzan ninguna de las otras tres, todas tienen su importante aporte a la saga.

Me resulta imposible analizar las películas sin destriparlas (especialmente la 3ª y 4ª) por lo que, como siempre, si no las habéis visto tened cuidado.

ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO (1979) - El terror y el suspense

La primera película de la saga a cago de Ridley Scott, que no había dirigido hasta entonces más que la aclamada Los duelistas, nos sumerge en una película de hermoso terror gótico. Inspirada en Lovecraft y Conrad, la magnifica criatura diseñada por Giger (probablemente uno de los mejores monstruos de la historia del cine) acecha por los pasillos y conductos de la Nostromo provocando a los decrecientes pasajeros y a los espectadores una continua tensión. En esta no hay acción, Ridley aún no es la guerrera que será en las siguientes entregas, sólo una sombra letal y aparentemente invencible de la que hay que huir, sin lugar a donde ir, y esconderse sin lugar donde esconderse. Aunque Scott no alcanza el nivel de la que para mi es us obra maestra, Blade Runner, La atmósfera que consigue esta primera cinta de la saga en escenas como la del nacimiento del alien o la del nido en la nave de los space jockeys, asemejando una catedral gótica, es dificil de repetir en la historia del cine. Probablemente consciente de ello James Cameron en la segunda parte opto por cambiar de registro.

ALIENS, EL REGRESO (1986) - La acción y la ciencia ficción

En esta entrega el rey del mundo del espectáculo, James Cameron, dio rienda suelta a toda aquella experiencia que había conseguido rodando Terminator (otra muy notable saga de acción) para llevar a cabo una de las mejores películas de Ciencia-Ficción-Acción de la historia del cine. La decisión de Cameron suena acertada, para no repetir los esquemas de la película anterior opto por reproducir a los Aliens, más ... muchos más. Frente a ellos, marines americanos, ¿quién sino? Evidentemente las bestias aprovecharán las numerosas debilidades humanas para diezmar al equipo y amenazar la vida de la protagonista y de una niña que acoge bajo sus faldas, que sobrevivirá tras enfrentamientos de todo tipo y con muy diversa tecnología (como marca el genero). Además en esta entrega tenemos además alguna crítica política más que en la anterior, en la que todo era menos obvio y simplemente se sugerían conflictos de intereses económicos. Nos queda claro lo malo que es el corporativismo, aunque toda la crítica al igual que en la reciente Avatar es ingenua y superficial. En cualquier caso una gran película, que complemente a la perfección a la anterior y que podría haber cerrado la saga. No fue así y 6 años después escogerían a un director de videoclips con fama de enfant terrible y nula experiencia en el cine para que revitalizara la saga.

ALIEN 3 (1992) - El terror psicológico y la filosofía

David Fincher fue sin duda valiente al afrontar esta película, demasiado dirían algunos, y eso se ve en la primera escena en la que mata a los otros tres protagonistas que lograron escapar con Ripley (incluida una niña pequeña) y sienta las bases para comenzar de nuevo. El ambiente, una cárcel de presos con un síndrome genético, trisomía XYY (que según la película parece que provoca inestabilidad emocional debido al exceso de testosterona), que han abrazado un fanatismo religioso que parece que les ayuda a controlarse pero que en ningún momento inspiran mucha confianza, un alcaide inepto, un médico con pasado oscuro y Ripley enfrentándose sin armas a una nueva criatura ligeramente diferente a las conocidas anteriormente (debido a su nuevo anfitrión).

La ambientación del film está magníficamente conseguida y aunque el guión falla en algunos puntos, nos ofrece una película interesante con ciertas reflexiones sobre el bien o el mal de algún calado. Además técnicamente el punto de vista del Alien resulta muy interesante. Por contra la película tiene unos efectos especiales bastante más cutres que la anterior película, y el abuso de técnicas CGI no suficientemente desarrolladas resta bastantes puntos a la película. En todo caso una secuela atractiva, diferente, que aporta algo a una saga que quizás tenía que haberse quedado en los 80...pero aún habría una película más.

ALIEN RESURRECTION (1997) - La fantasía, la aventura y el amor oscuro

Con Ripley muerta y después de tres películas, parecía difícil continuar la saga. Pero los productores de la Fox para lograr continuar explotando el filón, fueron a buscar a un extravagante director europeo para Alien: Resurrection. Jean-Pierre Jeunet que todavía no había dirigido la genial Amilie decidió solucionar el embrollo con imaginación. Esta película hace que la saga bascule por un lado al genero de la fantasía y aventura, con un ruptura completa de cualquier ley de la física y la biología, con una panda de piratas como protagonistas. Y por otro lado explota un tema que seguramente a ningún seguidor de la saga se le pasara por la cabeza: la relacción materno-filial de Ripley con la Reina Alien y los nuevos y vomitivos híbridos. La atmósfera y la fotografía, como todas las películas de Jeunet, es magnifica, pero el guión hace aguas por todos lados, con algunos personajes ridículos, y con escenas, como la escena final de la lacrimógena descompresión que resultan excesivas y esperpenticas. Aún así logra transmitir al espectador una sensación de atracción bastante enfermiza durante toda la película, que dado el estado de la saga, puede ser más que suficiente para justificar la película.

Miguel Delibes : Descanse en paz

Entre la izquierda y la derecha jodieron España. Entre todos la mataron y ella solo se murió.

Miguel Delibes

17 de Octubre de 1920 - 12 de Marzo de 2010

Vince Vega es imbecil y Tarantino no quiere que lo sepamos

El otro día revisionando por n-ésima vez Pulp Fiction, la obra maestra de Quentin Tarantino, me puse a pensar en su complicado montaje y en la razón de este. Y he llegado a una conclusión, una teoría que el director de Knoxville nunca confirmará pero para la que he encontrado notables pruebas que la sustentan. La llamaremos "Teoría del montaje creador de empatía" o "Vince Vega es imbecil y Tarantino no quiere que lo sepamos". Para desarrollar más esta teoría voy a resumir en orden cronológico (y no de aparición en el film) las apariciones de este personaje (interpretado por John Travolta) en la película. Evidentemente si no han visto la película, primero véanla y luego lean esto.

• Vincent Vega acaba de volver de Europa,y va con su compañero, Jules Winnfield, a hacer un trabajito sucio de matón, recuperar un maletín muy valioso. De su segunda discursión, acerca del masaje de piés a Mia parece extraerse la idea de que Vince es un tipo prudente y más le vale porque sabemos que va a tener que salir con Mia (que aún no sabemos que es la impresionante Uma Thurman pero suponemos que es razón suficiente para tirar a un tipo por la ventana). Esta es la primera impresión que tenemos de Vincent en la película.

• Continuamos con la escena de recuperación del maletín. Vince se queda en un segundo plano, donde parece que está tranquilo. Pero ya en el coche le pega un tiro en la cabeza a Marvin, el tipo que tenían de topo, al hacer el tonto con la pistola, y no llevar seguro. Durante toda la escena en casa de Jimmy (interpretado por Tarantino), Vincent esta cabreado; la ha cagado él pero parece que no és sino una victima de todo. Trás la inestimable ayuda de "El Lobo", los dos matones van a una cafetería que es atracada, Vincent se va al servicio en el peor momento posible y un iluminado Jules soluciona el asunto sin derramar una gota de sangre.

• Trás este asunto van a ver a Marsellus (Ving Rhames), el jefe, que está convenciendo a Butch (Bruce Willis) de que amañe su combate. Aquí Vincent sigue exaltado y discute con Butch por una tontería. El camarero avisa a Vincent sobre Mia, consejo que Vincent ignora, el sabe lo que se hace.

• Antes de ir a por Mia, Vincent compra heroína, se mete un chute y se la guarda en el bolsillo. Mete la pata al preguntar al camello sobre su mujer.

• Vince llega a la casa de los Wallace, y trás un jugueteo de Mia a través del interfono van al "Jack Rabbit's Slim" donde tienen conversaciones incomodas, incluyendo el citado tema el masaje de pies. Da la sensación de que Vince quiere sopesar a partir de que punto se jugaría la vida. Bailan y se lo acaban pasando bien.

• Tanto que acaban llegando a casa y mientras Vince frente al espejo combate la tentación. Mia se mete una sobredosis de la heroína de Vince pensando que es cocaína. No se le ocurre otra cosa a Vince que llevarla donde el camello, Lance, y la logran salvar con una inyección de adrenalina en el último momento. Deciden hacer como que nada ha pasado.

• Por último Vincent aparece en casa de Butch, suponemos que Marsellus le ha enviado a buscarle y matarlo, cuando Butch regresa a por su reloj de oro. ¡Pero Vincent está en el baño, otra vez! Y con su propia metralleta, que se deja en la cocina, Butch le acribilla.

Eso es en resumen el paso de Vincent Vega por la película y mis conclusiones son que Vincent Vega es un tipo descuidado, se deja la heroína en el bolsillo del abrigo en una bolsita cuando le da el abrigo a Mia, no lleva el seguro cuando apunta a la cabeza de Marvin y se deja el arma en la cocina cuando se va al baño. Además peca de exceso de confianza y es fácilmente provocable. Por todo esto creo que Vincent Vega es el matón imbécil, dentro del arquetipo de pareja de secuaces, que en cuanto Jules desaparece, debido a su iluminación, es eliminado. Pero Tarantino nos lo oculta en su montaje mostrándonos sus acciones acertadas antes que las meteduras de pata, quizás porque es un personaje recurrente (aparece también en Reservoir Dogs) o quizás porque, al igual que creo que le pasa con el Teniente Aldo Raine de "Inglorious Basterds" (Malditos Bastardos), le tiene cariño, porque le recuerda a si mismo y sus paisanos del sur profundo.

EDITADO: El personaje de Michael Madsen en Reservoir dogs (Señor Rubio) no es Vince Vega como creía, sino Vic Vega, hermano de Vincent. De hecho Tarantino tenía en mente rodar una precuela sobre los dos hermanos, pero quizás se le hayan hecho viejos ya.

Los Pilares del Heavy Metal en España: Introducción

Hoy estreno una serie monográfica sobre el Heavy Metal en España. En ella trataré en orden cuasi-cronológico de analizar el desarrollo de este movimiento a través de las que a mi entender son sus obras más representativas y/o influyentes. Me centraré exclusivamente en los trabajos creados y producidos en España aunque con toda seguridad hablaremos de influencias externas en la mayoria de los articulos.

Por ello si no os interesa el rock duro estas entradas os serán indiferentes. Espero por otro caso que sirvan de entretenimiento e información a gente que disfrute o se este introduciendo en este tipo de música, no tan marginal y ruidosa como algunos suponen.

Por último decir que mis conocimientos del lenguaje musical son escasos y por lo tanto es probable que existan errores de bulto en algún comentario técnico. Aunque mi objetivo no es el de escribir ningún tratado agradecería cualquier corrección, así como sugerencias sobre las obras a analizar o cualquier otro comentario.

He aquí el índice del monográfico, que iré ampliando y ordenando a medida que la serie avance:

1. Volumen Brutal: El pilar maestro
   
2. El que más: Principal muro de carga

Volumen Brutal: El pilar maestro

Empezamos esta serie sobre "Los pilares del Heavy Metal en España" con el que sin lugar a dudas es el disco más influyente de la historia del rock duro de este país: El Volumen Brutal de Barón Rojo.

• Antecedentes

En el año en que se publicó este disco, 1982, España concluiría su transición política con la victoria en octubre del P.S.O.E. de Gonzalez y Guerra y España era cada día un país más abierto y democrático aunque sumido en un grave crisis económica que era debida en parte a una crisis internacional y en parte a unas estructuras productivas obsoletas, ¿les suena? El caso es que en este contexto habían surgido desde finales de los 70 una serie de bandas de rock duro como Coz, Leño, Ñu, Asfalto, etc; inspiradas principalmente por el rock que había triunfado en los países anglosajones con el auge de los hippies a finales de la década anterior. Tenían por lo general letras que hablaban de barrios obreros y miserias mundanas, este estilo musical típicamente nacional se ha venido a denominar genéricamente Rock Urbano y todavía aparecen una serie de grupos que a su manera lo siguen practicando como Extremoduro, Marea, etc.


En uno de estos grupos: Coz, están los hermanos de Castro (Carlos y Armando) hasta 1980 (posteriormente Coz publicarían temas tan conocidos como este).

Carlos y Armando abandonan Coz por problemas con la discográfica CBS y forman Barón Rojo junto a Jose Luis Campuzano, alias Sherpa, y el uruguayo Hermes Calabria. Con esta formación, es decir:

Armando de Castro - Voz, Guitarra
Carlos de Castro - Voz, Guitarra
Jose Luís Campuzano (Sherpa) - Voz, Bajo
Hermes Calabria - Bateria

graban en 1981 su primer disco Larga vida al rock and roll (La reciente reunión de esta formación, separada en 1989, para algunos es probablemente la noticia mejor acogida por los heavys de este país), con una producción horrenda pero un puñado de buenos temas que les dan publicidad, ventas y prestigio como para poder al año siguiente irse a Londres a grabar su segundo album en los estudios Kingsway de Ian Gillian, cantante de Deep Purple.

• El Disco

Volumen Brutal es el nombre que ponen a su segundo disco que es ciertamente continuista con el estilo de el primero. Combina el Rock Urbano que había surgido en España con influencias más hardrockeras, especialmente AC/DC. Una de los puntos a favor de la banda es su amplio registro, ya que las canciones suelen estar compuestas bien por los hermanos de Castro de un estilo más directo y duro o bien por Sherpa y su pareja, Carolina Cortés, que tienen un tono más complejo, poético y denso. Esta diversidad se acentúa por el hecho de que la banda no tiene un cantante fijo, sino que Carlos y Sherpa se reparten los temas que cantan casi por igual, dando una variedad a los temas poco habitual (aún así la interpretación de Sherpa es mejor en casi todos los casos, todo hay que decirlo).

Este dísco es como digo al inicio el más influyente de las historia del rock duro en este país ( los Barón eran reticentes a llamar Heavy Metal a su música). Y es vital para entender todo el desarrollo del genero. Además les dió un gran prestigio internacional, al publicar una edición cantada en ingles, permitiendoles girar por inglaterra con algunas de las bandas más punteras del mundo.

Pero analicemos el álbum tema a tema.

• Tema a Tema

El disco comienza con uno de los temas más rapidos de la discografía de Barón Rojo: Incomunicación. Escrita por los hermanos y cantada por Carlos, su letra habla como es de esperar de la alienación provocada por la incomunicación sociedad actual. Es un tema corto y sencillo, de poco texto, de estribillo pegadizo que funciona muy bien en directo y cuya mayor virtud para mí es su bridge que anima a lanzarse al estribillo. No es de mis temas favoritos.

La siguiente canción, Los rockeros van al infierno, es probablemente el himno más conocido de Barón. Esta compuesta por la pareja Campuzano-Cortés y cantada por el mismo Sherpa. Realmente es un tema bastante más lento y ligero de lo que se podría esperar de un tema de este título. Tiene un riff principal de guitarra muy característico que lleva el peso de toda la canción. Y un estribillo que para mi gusto pilla un poco a contratiempo. Quizás a esta canción le falte un buen estribillo, o quizás no ya que en cada concierto es coreado por miles de seguidores, casi 30 años después. La letra, te lo puedes imaginar: mi rollo es el rock: Declaración de principios e intenciones.

La siguiente es probablemente una de las canciones más extrañas de Barón Rojo. Dame la oportunidad es una suerte de medio-tiempo de contenido amoroso (fijaos que no dice dame "otra" oportunidad sino "la", eso la distingue en temática de la típica canción arrastrada de pop). Está escrita curiosamente por los hermanos de Castro y es la canción del disco menos querida por la mayor parte de los fans: Yo sólo la he escuchado una vez en directo y los he visto ya unas cuantas veces. En todo caso a mi el tema me gusta, rompe la dinámica del disco y le da un poco de sentimiento al asunto, queda curioso.

La siguiente canción es también de Carolina y Sherpa. Se titula Son como hormigas y es una crítica al sistema, especialmente al ayuntamiento de Madrid. Es una canción bastante interesante musicalmente hablando, con una melodía que varía bastante entre estrofa y estrofa. Tiene alguna curiosidad en su estructura como el sólo de guitarra que es interrumpido por la voz para cantar las estrofas más críticas de la canción y luego continuar tras un sólo de saxo y terminarlo. Además tiene una frase que tiene algo de profética: "mañana pagará por su aparcamiento, pasado pagará por cualquier invento". Para mí la gran tapada del dísco.

La siguiente canción toma su nombre del famoso libro de Charles Baudelaire, Las Flores del mal y, tal y como yo la entiendo, es una canción apocalíptica sobre los peligros medioambientales. El riff de guitarra es típicamente Barón, en una canción de ritmo pausado que a mi me recuerda un poco a Los desertores del rock de su álbum anterior. De mis temas favoritos, me gusta mucho su sólo de guitarra y la ambiguedad de su mensaje.

Y llegamos a otro grande: Resistiré. Probablemente junto con Los rockeros van al infierno la canción que más exito le ha dado a Barón Rojo y la primera que escuche en mi vida. Está compuesta por las dos parejas: los hermanos de Castro, Sherpa y Carolina Cortés y eso se nota. Empieza con una introducción de tono ligeramente sinfónico de que se rompe con la entrada a la vez de la bateria, el bajo y las guitarras. Tiene un ritmo galopante, muy al estilo de Iron Maiden en esa época, y bastante mala ostia tanto en la letra como en la música. Yo creo que habla de la Iglesia Católica pero podría ser cualquier grupo de gente que trate de controlar. Tiene un estribillo que engancha y un duelo de guitarras en su parte final que muestra la calidad musical de los hermanos de Castro. Una de mis canciones favoritas de los barones.

Satánico Plan (Volumen Brutal) es otra de esas canciones que nunca falta en directo y a mi es de las que menos me gustan. Está escrita por Sherpa y los dos hermanos y habla de como les ayuda el rock a evadirse y a encontrarse a ellos mismos. A mi me parece que tiene un estilo bastante peculiar casi parecido a las bandas de metal más modernas pero mucho más ligero. No me convence.

La siguiente es otra grande: Concierto para ellos. Es un requiem a Bon Scott (cantante de AC/DC fallecido en 1980) especialmente y a todos los rockeros muertos por aquel entonces. A todos ellos los nombran en uno de los estribillos más complicados de pronunciar que me sé, a saber:

Janis Joplin - Muerta en 1970
John Lennon (The Beatles) - Muerto en 1980
Duane Allman ( The Allman Brothers) - Muerto en 1971
Jimmy Hendrix - Muerto en 1970
Marc Bolan (T. Rex) - Muerto en 1977
John Bonhan (Led Zeppellin) - Muerto en 1980
Brian Jones (Rolling Stones) - Muerto en 1969
Keith Moon (The Who) - Muerto en 1978

La canción es todo un homenaje, con unas estrofas inspiradoras, una buena melodía de teclado, un interesante riff principal y un sherpa cantando como nunca. Uno de los temas que mejor condensan la esencia del Rock. En cada concierto de rock and roll las campanas doblan por Bon Scott. Mi preferida del disco junto con resistiré.

Hermano del Rock & Roll es una canción lenta y pesada. Compuesta y cantada (mal por cierto) por Armando. Tiene un estribillo bastante machacón y una temática parecida a Satánico Plan. No fu ni fa. Para mí es o un relleno o un capricho de Armando. En concierto suele servir para que los músicos se luzcan improvisando un poco en el solo.

El disco lo cierra la esplendida El barón vuela sobre Inglaterra. Un tema instrumental virtuoso con muchos cambios de ritmo, que empieza muy rápido para acabar enlazando con la melodía del tema Barón Rojo, aparecido en el anterior álbum de la banda. Tiene la virtud de recordar traer a la mente la imagen de vuelos y combates aéreos, como lo harían posteriormente Iron Maiden con su Aces High (estos centrandose en la segunda guerra mundial).

El éxito de este disco junto con algún otro daría un empujón enorme al género y a bandas que luchaban por abrirse paso, dando lugar a una década en la que el rock vendía más discos y llenaba más estadios que el tontipop de la movida. El porqué no son tan recordados con aquellos, no lo sé, pero hace 2 meses estuve en el concierto reunión de Barón Rojo en el festival Metalway, y congregaron a más de diez mil personas bajo un viento infernal: por algo será.

En la proxima entrega hablaré de otros de los dinosaurios no extintos que pusieros los cementos de Heavy Metal en España: Obús.

Arriba Pixar!!!

Viendo el panorama de la actual cartelera, a uno le cuesta encontrar una película en la que exista ese equilibrio entre arte y entretenimiento que busco cuando veo cine. Por ello no es extraño que acuda a valores fiables cuando voy

al cine. Y hoy por hoy para mí el valor más fiable. no ya sólo en animación sino en el cine en general. son los chicos de Pixar. Y su última película ( Up ) es una ráfaga de aire fresco en un ambiente cargado de risas enlatadas en robots transformables.

Up es en gran medida una continuación del estilo narrativo de Wall-e, aunque el argumento sea radicalmente distinto. Nos encontramos con la historia de un hombre que por una mezcla de amor a su esposa fallecida, espíritu de aventura y presiones urbanísticas decide iniciar un viaje en su casa volante hasta la jungla sudamericana. Y lo cierto es que la película, al igual que wall-e, tiene unos 30 minutos iniciales realmente deslumbrantes. Te olvidas de la animación para sumergirte en la maravillosa historia, incluido un resumen de toda una vida en 10 min. que será de aquí a unos años un gran clásico dentro de las escenas del cine de animación. Posteriormente la película va tendiendo hacia un tono más Disney, más comercial que continua entreteniendo y enterneciendo pero que da la sensación de que pierde parte de ese carácter innovador y rebelde que tiene inicialmente. La trama se vuelve también más predecible seguramente para satisfacer al público infantil.

Otro aspecto destacable en el apartado guión es el tratamiento de los personajes, algunos de los cuales sorprenden por su complejidad detrás de su aparente simpleza. Especialmente me llaman la atención el protagonista Carl ( ¡un viejo protagonizando una película de dibujos, ojo!) y el villano tardío (no sólo por aparecer tarde en la cinta), así como los divertidos Dog y Kevin.

En cuanto a la parte técnica, poco que decir: Pixar=Animación (o al menos animación CGI) .Hoy por hoy no se puede hacer una película de dibujos más bonita, más colorida o mejor animada que las que hace Pixar. Por supuesto que se puede hacer más realista, pero esto son dibujos animados el objetivo es otro.


En definitiva, un derroche de imaginación para contar una historia atípica con un protagonista inconcebible y, que además de entretener, hace reflexionar sobre algunos temas universales: la vida, el amor, la soledad, el espíritu de aventura y otros más locales como la especulación inmobiliaria o el modelo de relación parento-filial actual. Hasta ahora, quizás la mejor película del año: Pero me gusta más Wall-e.

P.D.- A modo de curiosidad, Disney no tenía excesiva confianza en el producto y no fabrico tanto merchandising como es habitual y ahora están desbordados de niños que quieren el muñeco del vejete.

P.P.D.- Yo la vi en 3D, pero no vale la pena. Es una lástima pero ni los animadores dominan todavía suficientemente la técnica ni la tecnología esta suficientemente madura como para que el valor añadido a la experiencia sea destacable.

Una opinión

"Según los jóvenes críticos americanos, uno de los grandes descubrimientos de nuestra época es el valor del aburrimiento como tema artístico. Si esto es cierto, entonces Antonioni merece figurar entre los pioneros de esa tendencia, con el titulo de padre fundador."

Orson Welles a Kennet Tyran para Playboy Interviews, 1972

Más Información:

• La imagen es un fotograma de Blow-up (Palma de Oro en Cannes 1966) de Michelangelo Antonioni
  

• Michelangelo Antonioni: IMDB, Wikipedia
• Orson Welles: IMDB, Wikipedia
  

Millennium: Último boom literario

Normalmente me acerco con algo más que recelo a los bestsellers. La literatura de consumo tiende demasiado a menudo a descuidar la forma y el fondo a cambio de la generación rápida de noveluchas que enganchen a esa masa que denominan lectores ocasionales. A pesar de ello decidí leer el primer volumen de la saga Millennium principalmente por el hecho de que sucedía en Suecia, un país con el que tengo algo de relación personal, y porque el cartel de la película me resultaba enigmático. A continuación les hablaré tanto de la primera novela de la saga como de la película que la adapta.


En primer lugar un pequeño comentario sobre el título: ¿ Por qué se empeñan en cambiar innecesariamente el título original en las traducciones de algunas novelas o películas? Me explicaré. El título original de la novela es Män som hatar kvinnor ("hombres que odian a las mujeres") pero en castellano decidieron que odiar era muy brusco y la tradujeron por "Los hombres que no amaban a las mujeres". Es cierto que es un cambio sutil pero existe diferencia y, es más, es completamente innecesario. En los otros dos volumenes el cambio es más pronunciado: de Flickan som lekte med elden ("La chica que jugaba con fuego") a "La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina" y de Luftslottet som sprängdes ("El castillo en el aire que se desvaneció") a "La reina del palacio de las corrientes de aire". Lo dicho innecesario, confuso, pedante, cateto y estúpido.

Si nos centramos en el libro en sí, nos encontramos que lo que Steig Larsson hizo antes de morir fue una interesante trama policiaca, que tiene todas las características del género que ya definió completamente Agata Christie hace más de 70 años, aderezada con algo de contenido político y social. Y aunque la trama funciona muy bien (enganchando al lector) y tiene algunos recursos que resultan en cierto sentido originales provoca una continua sensación de Dejà vu, de que eso ya lo has leído en otros lugares, de que sabemos quién lo ha hecho. Por otro lado el contenido lateral a la trama, todo el reflejo del pensamiento pseudo-comunista de Larsson, resulta en cierto sentido excesivo y pretencioso, sobre todo al final cuando parece que el protagonista salva la economía mundial, con su particular lucha contra un tiburón financiero. A pesar de ello, en muchos momentos constituye un acertado dedo en la llaga en el corazón de la autocomplaciente sociedad sueca.


Lo que hace a esta novela diferente es el personaje de Lisbeth Salander. Es un personaje interesante, desequilibrado, egoista y oscuro, pero de una extraña bondad y atractivo. Una chica de aspecto gótico-ciberpunk con síntomas de Asperger (¡cuantas veces a aparecido en la literatura este síndrome últimamente! ¿no creen?) y con unas excepcionales capacidades. Sin duda es la sal de la novela y supongo que será el centro radical de las otras dos. El problema es que a mi en ningún momento me llega a fascinar, ni a enamorar, ni a aterrar; y lo que es peor el resto de personajes son completamente impersonales. El otro protagonista Mikael Blomkvist esta tan inspirado por el mismo autor que su voz no se distingue del narrador, y en el caso del resto de los personajes (algunos de ellos malvados o torturados seres humanos) no se distingue en su voz una personalidad que les diferencie, son planos y monótonos a pesar de que Larsson trate infructuosamente de construirles biografías complejas.

En conclusión lo que le falta a la novela para tener el rango que algunos ya le dan es poética. Al autor, que es mucho más periodista que novelista, le falta habilidad literaria; no manejar sentimientos y pensamientos con tanta frialdad, con ese estilo y ese lenguaje propio de las páginas salmon que tanto critica para dal algo de colorido a esta buena idea suya.


En cuanto a la película se trata de una correcta adaptación. El casting parece adecuado y las actuaciones ( las he visto dobladas) parecen estar a un nivel correcto. Técnicamente no presenta un mayor reto para ningún director y Niels Arden Oplev ( un desconocido al menos por aquí) ejerce de obrero eficiente. En cuanto a la adaptación del argumento, el guionista adapta en lo básico pero no es capaz de transmitir todas las ideas que Larsson pretende exponer acerca del desmoronamiento del Swedish welfare. Por lo tanto sólo recomiendo la película a fans de la novela y si tengo que elegir entre ambas, como casi siempre, me quedo con la novela.

Redecoración y mudanza

Llevo tiempo sin actualizar y como siempre no tengo ninguna excusa para ello, tengo bastantes cosas que me gustaría comentar (sobretodo películas aunque tambien un ciclo de música y algo sobre el fenómeno editorial del momento) y espero a lo largo de la proxima semana actualizar por lo menos una vez.

Si alguno de vosotros es habitual de este blog (si es que existe alguien así) habrá visto que he decidido cambiar un poquito el aspecto del mismo, me gusta más con estos colores a negativo de celuloide gastado. Por supuesto animo a cualquiera a dar su opinión.

Por otro lado, quizás alguien se haya dado cuenta de que he eliminado todos los cuentos del blog, así como de la pagina de los cuentos que se hayaba aqui enlazada. La razón es que he inagurado recientemente otro blog en Wordpress (la competencia) que estará dedicado unicamente a mis creaciones literarias personales dejando este Everybody goes to Rick's dedicado unicamente al comentario y opinión de cultura en general, creo que así cada uno de ellos tendrá una mayor coherencia temática. Espero que os guste el nuevo:

PALABRAS GASTADAS

Eso es todo, espero veros por ambos espacios.

Jesús F. Bes

Mayo 68 (2) : Primavera de Praha

Hace como un año dedique una entrada a hacer una reseña histórica de los sucesos que sacudieron Francia durante la Primavera de 1968 y prometí profundizar más en lo que ocurrió en el resto del mundo alrededor de ese "mes de los sueños". Así que hoy un año después me voy a centrar en unos sucesos ocurridos simultáneamente con la Revolución cultural francesa en el entonces llamado estado de Checoslovaquia.

La razón por la que escribo este artículo es, además de mi fascinación por los sucesos que sacudieron el mundo durante esa primavera, la idea de que me parece necesario refrescar estos hechos en la memoria colectiva. Por ello hablé en su momento de las protestas de la plaza de Tian'anmen contra la represión del Partido Comunista Chino, porque, a pesar de todo, aún creo en el progreso y aunque como dice el tango "el mundo fue y será una porquería (...) en el 506 y en el 2000 también!" vamos a mejor lentamente y con muchos pasos atrás pero tengo la convicción (ingenua quizás) de que vamos hacia adelante.

Expliquemos los hechos.

Cuando el eslovaco Alexander Dubček llego al poder del partido en enero de 1968, a pesar de su conocido carácter reformador, nadie hacía presagiar que pretendiera llevar a cabo una reforma tan profunda del sistema que regia el país (Comunismo sovietico stalinista). Empezó a hablar de darle un rostro humano al socialismo. Eso implicaba una defensa de la individualidad que se traduce en mayores libertades individuales (prensa y opinión) y algunas aperturas liberalistas.

Aunque ninguna de estas reformas atacaba directamente contra el nucleo del comunismo (no permitia la propiedad de las empresas ni los partidos independientes por ejemplo) y ni siquiera significaba una ruptura con el bloque del este, los sovieticos liderados por Brezhnev se sintieron tremendamente atacados por ellas y su respuesta no se hizo esperar. Así que este programa de acción que se trato de desarrollar durante la primavera del 68 fue aniquilado por las tropas del pacto de Varsovia que en la noche del 20 de Agosto invadieron el país con alrededor de 200.000 soldados y más de 2000 tanques matando a 108 personas.



A la invasión siguieron una serie de protestas no violentas entre las que destaca la trágica inmolación de Jan Palach el la plaza de Wenceslao de la capital checa. Evidentemente los sovieticos acabaron imponiendo su visión del socialismo ante la pasividad del bloque capitalista al que no resultaba demasiado comodo tampoco la tercera vía checoslovaqua, pero el recuerdo de la primavera de Praga ha servido como referencia de la izquierda europea y de la lucha contra el pensamiento único así como inspiración de la revueltas que años más tarde sucederian en Croacia y en Pekin.

Pagerank 1

Este año tengo este blog bastante abandonado. Mi especial situación personal actual junto con mi enorme pereza me ha hecho tener una tasa de actualizaciones ínfima, por ello me ha alegrado hoy enormemente ver que Google me ha puntuado con un pagerank 1 cosa que sinceramente nunca esperaba alcanzar y menos hoy en día. Así que espero cuando vuelva ponerme a actualizar y en un año alcanzar el pagerank 2. Por ello desde aquí lanzo una oferta:

Se ofrece puesto de colaborador para blog de cine, literatura y cultura en general
Requisitos: Gusto por la cultura y tener algo que decir
Horario: Absolutamente, flexible; cuando y como quieras
Remuneración: El 50% de los ingresos
Interesados responder en comentarios

Nueve Reinas: Amor por el engaño

Hoy vuelvo tras mucho tiempo sin publicar y vuelvo con una entrada sencilla, una simple crítica de cine. Estoy preparando algo especial para el mes de mayo que empieza, no se si os gustará a todos pero creo que tengo que hacerlo. En todo caso eso ya llegará, hoy una película argentina: Nueve Reinas.

En este caso lo que más me interesa es comentar la trama en si, asi que en primer lugar haré un comentario general de la película para los que no la hayan visto y luego me hacen el favor de cerrar el navegador, conseguir la película, verla, volver a abrirlo y comentar conmigo su interesante trama.

Nueve Reinas es la opera prima como director de Fabián Bielinsky, fue estrenada en 2000 ( en plena crisis argentina) y sirvió para dar fama a ese gran actor que es Ricardo Darín ( que incrementaría su papel en 'El hijo de la novia'). Nos encontramos ante una película de estafadores, llena de trampas, de cierto humor ácido y algo de crítica social excelentemente combinado con una dirección notable que destaca por su puesta en escena y unas actuaciones encomiables ( si se fijan y ven alguna mala actuación, alguna linea dicha sin la entonación debida, entonces mosqueense: les están timando los personajes ) entre las que destacan por su carisma los dos protagonistas: el citado Darín y Gastón Pauls. Simplemente decirles que es entretenida, tiene compromiso social y está bien hecha: Véanla ( Y no sigan leyendo hasta que lo hagan ).

* * ***

Lo cierto es que la trama que muchos han considerado retorcida a mi me pareció que tenia el final natural, llevaba varios minutos esperándome ver como el dulce Juan/Sebastian lo tenía todo bien atado. Llamenlo instinto, experiencia o simplemente deseo de espectador, pero estaba en lo cierto. La verdad es que los últimos nueve minutos de película constituyen varios finales y da la sensación de que Bielinsky opta por el más comercial. Tras la escena del banco todo podría acabar, y mostrar que estos estafadores de poca monta han sido finalmente estafados por los gobernantes y banqueros que llevaban años sangrando al país. O quizás podría añadirse un Happy ending tras la dulce escena del metro en el que Valeria y Juan/Sebastian acabasen juntos, pobres pero felices. Pero Bielinsky opta por el efectismo, y le sale bien.

La verdad es que el espectador es engañado en ciertas escenas en las que Juan esta solo y parece abatido, en este caso el director juega sucio pero se lo aceptamos dada la temática. Parece decir, "Pibe, so también tengo que ganarme el pan, dejame hacerle algún truco". En todo caso si obviamos esas escenas, hay varios casos en los que parece que Juan lleva el control aunque Marcos aparente ser el que esta a punto de timar, o al menos da la sensación de que las cosas no le van a salir bien a Marcos. Marcos hace siempre lo que se espera de él, en cambio todas las reacciones de Juan resultan al menos extrañas. Además el personaje del mafioso español no acaba de cuajar en ningún momento, personalmente me pasé media película pensando: "¡que mal actor es este ( español tenía que ser)!", hasta que pensé....quizás él que es un mal actor es el personaje. Por último el personaje de Valeria siempre con una escoba metida por el culo, resulta tan excesivo que en cuanto lanza un par de miradas dulces en cierta forma se desvela.

Y ustedes pensarán que esto no dejan de ser ideas 'a posteriori', cosas que notas inconscientemente y que cuando todo cuadra ves claramente, seguramente tengan razón. Pero sirven como notas para un segundo visionado, para ver si todo esta bien montado y ver si la película en realidad merece el crédito recibido.

Gran Torino: Eastwood y el cine de emociones

Hace tiempo que no tengo duda de que Clint Eastwood es uno de los más grandes directores en activo. Con esta última película suya "Gran Torino" se vuelve a confirmar su dominio del lenguaje cinematográfico y su absoluta facilidad para hacer llegar mensajes y emociones al telespectador.




Este californiano casi octogenario, que se hizo famoso por su papel como el inspector Harry Callahan "el sucio" y por su personaje sin nombre en los Westerns de Leone, hace ya casi dos décadas que alcanzó el máximo reconocimiento como director con "Unforgiven" (1992), una de las películas más relevantes de los últimos años. Desde entonces (quizás un poco antes con "Bird") lleva demostrando que es uno de los directores que mejor cine hace en la actualidad, siempre con un toque clásico, con historias emotivas y agridulces (a veces melodramáticas) y que llegan al tejido sensible del espectador.

En Gran Torino vuelve a ponerse delante de la cámara (además de detrás) para elaborar esta fabula sobre la perdida de valores, el envejecimiento, la soledad y el choque cultural. Esta película no deja de ser un valiente balazo contra las consciencias de la americanos que se van despertando de una guerra que agoniza. Parece leerse entre su metraje "Esto no se ha acabado, lo que habéis hecho seguirá acompañandoos toda la vida".

Para ello utiliza el personaje de Walt Kowalski, americano de toda la vida (es decir inmigrante polaco de segunda o tercera generación) patriota, malhumorado, chapado a la antigua y ex-combatiente de Korea ( se agradece que se hable de guerras distintas a la tan trillada guerra de Vietnam, parece que fue la única en la que se masacró inocentes) que de repente se haya viejo, enfermo y sólo en su barrio de siempre que se ha convertido en un ghetto para inmigrantes asiáticos. El choque que tendrá con sus vecinos y las bandas del barrio, detonará en Walt ciertos sentimientos que le harán sacar lo mejor y en algunos momentos lo peor de si mismo.

Tiene un guión de un esplendido ritmo y unas interpretaciones muy convincentes : el personaje de Eastwood resulta curiosamente cómico y tierno casi toda la película,l a vecinita asiática es realmente encantadora y el cura jovenzuelo resulta el contrapunto moral necesario para desarrollar todo el mensaje de la cinta. Nos encontramos con una gran película que además presenta un final esplendido, por imprevisible y por significativo.


Técnicamente esta muy depurada, Eastwood realiza una película sobria como siempre, sin florituras con una fotografía realista dándote siempre la sensación de que lo que te esta contando es la pura realidad.

Si la comparamos con "Million Dollar Baby" esta es menos lacrimógena con menor mensaje emocional pero con más mensaje social. No deja de ser una hermosa denuncia del racismo y la perdida de valores en el medio oeste americano además de una tierna fábula sobre el valor de la vida simbolizada por ese brillante Gran Torino del 72.