James Bond

Y no soy el único que lo piensa.

El elenco artístico de Medianoche en París (2º Parte)

Continuamos el recorrido por los personajes artísticos e históricos que aparecen en Midnight in Paris. En esta segunda parte aparecerán algunos curiosos personajes que resultarán más reconocibles al lector español.

• Pablo Picasso (Marcial Di Fonzo Bo). Poco que decir de Picasso. Simplemente recalcar que el Pablo Picasso que aparece en la película es un joven recién llegado a París y que empieza a hacerse notar y a formarse como el gran artista que llegará a ser.

• Juan Belmonte (Daniel Lundh). Aunque en algunos ámbitos no duden en denominar al toreo como un arte, a mi me cuesta ponerle ese apelativo. En todo caso Juan Belmonte fue un torero de gran prestigio en la época y reconocido como un renovador de su oficio además de ser un gran amigo de muchos personajes de la cultura, cambiando la imagen existente de los matadores de toros.

• Los surrealistas: Dali, Man Ray y Buñuel (Adrien Brody, Tom Cordier y Adrien de Van). Probablemente una de las escenas más recordadas sea cuando estos tres peculiares personajes (especialmente el gerundense Salvador Dali) aparecen al protagonista en un café. Tanto el pintor (entre otras mil cosas - ver) Dali como el cineasta Luis Buñuel son muy conocidos para el público, pero quizás Man Ray, fotografo, cinematógrafo e impulsor en general de diversos movimientos vanguardistas; sea más desconocido.

• Los impresionistas: Toulouse-Lautrec, Degas y Gauguin (Vincent Menjou Cortes, François Rostain y Olivier Rabourdin). Por último en otro salto temporal que sufren los protagonistas, se encuentran con todo un elenco de pintores impresionistas y post-impresionistas, entre los que podemos destacar a estos tres, todos ellos bien conocidos. Es curioso pensar que todos estos artistas de cuyas obras se venden hoy en día carteles y replicas a miles murieran en soledad y pobreza.

Esos son a grandes rasgos los personajes artísticos que aparecen en la grandiosa película Midnight in Paris. Dueños de una vida deseable para el protagonista aunque fuera trágica y cruel con la mayoría de ellos. Quizás ese sea el mensaje de la película, deseamos lo que no podemos alcanzar simplemente por ser inalcanzable.

El elenco artístico de Medianoche en París (1º Parte)

En la recientemente estrenada película de Woody Allen, Medianoche en París (Midnight in Paris, 2011) se le aparecen al protagonista una gran cantidad de artistas: escritores, pintores, músicos, escritores y cineastas. Alguno de los cuales son muy conocidos pero otros para el espectador español medio pueden ser completamente desconocidos. Por ello, a continuación trataremos de explicar brevemente quienes son todos estos personajes que pueblan esta gran película.

• Cole Porter (Yves Heck). Fue un compositor y letrista norteamericano conocido entre otras muchas canciones por Night and Day o I've got you under my skin. Abiertamente homosexual aunque casado con una mujer, Linda, 8 años mayor que él. Sus extravagantes fiestas en su palacio de París fueron tremendamente conocidas.

• F. Scott y Zelda Fitzgerald (Tom Hiddleston y Alisson Pill). F.Scott Fitzgerald es junto con Hemingway probablemente el escritor más importante de la llamada "Generación perdida" de escritores americanos. Su obra más conocida "El Gran Gatsby" resume su visión del mundo y de su clase social. Su esposa Zelda Sayre, inspiradora de muchos de los personajes de su marido y también novelista de éxito, sufría esquizofrenia y acabó muriendo a los 47 años en un incendio en el hospital psiquiátrico en el que estaba internada. La princesa Zelda de los juegos de Nintendo "Legend of Zelda" está nombrada en su honor.

• Ernest Hemingway (Corey Stoll). Uno de los protagonistas de la película principalmente por su interesante personalidad. Probablemente sea el escritor estadounidense más importante y conocido del siglo XX. Famoso entre otras obras por esa grandiosa novela basada en la Guerra Civil Española titulada "Por quien doblan las campanas". Se suicidó de un disparo de escopeta a los 62 años.

• Gertrude Stein (Kathy Bates). Esta poetisa y escritora estadounidense es probablemente más desconocida para el público, pero era un figura importante en el París de la avant-garde no tanto por su obra como por su mecenazgo de artistas como Matisse o Picasso. Se puede decir que su casa se convirtió en el centro cultural del centro cultural del mundo.

• T. S. Eliot (David Lowe). Si Hemmingway es el novelista americano, Thomas Stearns Eliot es probablemente el poeta estadounidense más importante del siglo XX. De numerosas influencias, podría perfectamente haber pertenecido a la generación del 28 de haber nacido en España.

• Henri Matisse (Yves-Antonio Spoto). Dejamos la literatura para centrarnos en la pintura. Y en este campo Matisse es el pintor más representativo del fovismo, un estilo expresionista con ciertos puntos en común con el expresionismo aleman. En la película se le ve como asiduo de casa de Gertrude Stein junto a Picasso, otro de los grandes genios de la pintura del siglo pasado con él que continuaremos este recorrido del elenco artístico de Midnight in Paris en una próxima entrada.

Funny Games: Juegos con los que te partes

Cuando Michael Haneke rodó su primera versión de Funny Games a mediados de los 90 (1997) muchas películas de éxito tenían una alta carga de violencia. Por ejemplo ese año teníamos películas como L.A. Confidential, Starship Troopers o Con Air; el año anterior Fargo; unos años antes Pulp Fiction, etcétera. Independientemente de la calidad de estas películas, en muchas de ellas el entretenimiento surge de la misma violencia (explicita o implicita) que contienen.

En este contexto el director austriaco nos presenta una reflexión dura, extrema y probablemente sádica sobre la violencia como entretenimiento. Antes de decir nada y por si no la habeis visto os dejo el primer minuto de la película:

La situación de tranquilidad de esta familia de vacaciones pronto será rota por un violencia repentina, brusca y caótica, como la música Hardcore que irrumpe en medio de la música sinfónica o esas letras rojas burdamente superpuestas en la imagen. Los sádicos "juegos" de dos niños pijos aburridos desembocarán en un auténtico infierno y en una de las narraciones más repulsivas de la historia del cine.

Las dos principales armas de Haneke para atacar nuestra conciencia son:

• La violencia fuera de cámara, la mayoría de las escenas más duras no se ven directamente y esto resulta más impactante que la casquería barata de otras películas.
• Los sádicos protagonistas "rompen la cuarta pared", dirigiendose directamente a los espectadores, en varias ocasiones normalmente para recordarles que es todo ficción.

Y esta última técnica es la que de verdad hace novedosa y diferente a esta película y la que le hace funcionar tan bien. Cada vez que Paul (Arno Frisch) se dirige directamente a la cámara hace de alguna forma participe al público en su juego psicótico, lo siente todo más real. Y cuando acaba no puedes quitarte de la mente lo que has visto y lo que no has visto por mucho que sepas que es ficción haciendo que te plantees tu malsano gusto por la violencia y también el del mismo Haneke, que a pesar de que su crítica es clara no podemos dejar de pensar que es necesario un buen nivel de sadismo para hacer algo como esto.

En definitiva una película para plantearse el entretenimiento actual e incluso la atracción humana por la violencia con una película dura, extrema y que probablemente os haga sufrir más que pensar. En todo caso hay que verla.

P.D. - Existe otra versión de la película, rodada en USA por el mismo Haneke en 2007 que según dicen es idéntica plano a plano a la versión de 1997, pero no la he visto.

Balada Triste de Trompeta: Un mal chiste sobre España

La última película de Alex de la Iglesia es un espectáculo grotesco, caótico, grandioso y complejo en el que en poco más de hora y cuarenta minutos se mezcla el peculiar mundo del director bilbaino con la historia reciente de España.

Es dificil describir el argumento del film en pocas palabras. La historia gira en torno a la figura de Javier (Carlos Areces) payaso de tercera generación durante los años 70. Los terribles sucesos de su niñez, muy relacionados con la dura y absurda historia de este país le marcan de manera brutal impiendole siquiera plantearse un atisbo de felicidad. En estas circunstancias conocerá a la trapecista Natalia (Carlonia Bang) que no hará sino precipitarle definitivamente a un violento triángulo (que cierra Antonio San Juan en el papel del otro payaso, Sergio) de violencia y autodestrucción.

Todo el mundo dice que ésta es la película más personal de de la Iglesia. Eso es poco decir. En "Balada Triste de Trompeta", Alex hace lo que le da la gana, no se corta lo más mínimo en las imágenes que plantea al espectador, creando un mundo que por un lado es fantasioso y terrorífico pero que por otro lado parece reflejar la absurda historia de este país con una lucidez aplastante.

La película funciona bastante bien más allá de la potencia de las imágenes, el ritmo es muy bueno y la historia resulta coherente; aunque es cierto que existe un tramo de la película, entre el suceso central del film que detona la caída en picado de los protagonistas ( en el caso de Areces simbolizada por varios minutos de metraje "en bolas" por el bosque) y la increíble escena del Valle de los caídos en el que da la sensación de que Alex (como guionista) se pierde un poco. En dicho tramo Aparecen algunos de los momentos más divertidos del film pero no aparecen conexos, no parecen aportar gran cosa al relato, son escenas sueltas, potentes, pero fuera de la historia. Dicen los entendidos que es debido a la ausencia del que hasta ahora había sido mano derecha de de la Iglesia: su co-guionista Jorge Guerricaechevarria.

En todo caso la película es una caída en picado a la locura, en un entorno de tintes expresionistas que representan una visión grotescamente lúcida de España. Existen dos momentos en la película que para mí reflejan esta lucidez de manera muy clara (no leáis los siguientes dos parrafos si no la habeis visto).

El primero es en la escena inicial en la que el ejercito republicano recluta a los dos payasos (Segura y Fofito) para luchar contra los rebeldes. En esta escena un imponente Fernando Guillén Cuervo hace el papel de un capitán miliciano que decide dar un machete al payaso tonto, Santiago Segura (que está vestido con un vestido rosa) para que masacre y "acojone" al ejercito rival. Ver a Segura con ricitos de oro y vestido destrozando a jóvenes uniformados con un machete no deja de ser una imagen muy representativa de lo que se vivió en este país hace 70 años.

La segunda escena es más bien una linea de dialogo. Areces ya con la locura en todo su esplendor está a punto de destrozar la cara de un escopetazo a un viandante cuando junto a ellos pasa el coche del Almirante Carrero Blanco que en ese momento salta por los aires en la imagen más importante de la historia de España en la segunda mitad del siglo XX. En ese momento el demente payaso se acerca al coche en el que los terroristas de E.T.A. comprueban su obra y les espeta: "Y vosotros, ¿de que circo sois?". Alucinante.

Párrafos atrás he denominado como increíble el clímax final en el valle de los caídos. Me parece una pena, que dado lo arriesgado de la película, el exceso que rezuma toda ella, mucha gente no pueda disfrutar de esta escena (claro homenaje a Hitchcock) que probablemente constituya un hito en el cine patrio. Pero estoy convencido que llegado a este punto del film, o estás asqueado completamente o entusiasmado. Lo dicho una pena.

En cuanto a los actores están todos magníficos. Uno echa de menos que los secundarios (la trouppe que forma el circo especialmente) tengan algo más de peso cómico en la historia. En cuanto a los protagonistas. Carolina Bang ( ¡Que no enseña las tetas! ) es absolutamente sensual y erótica. Antonio San Juan da escalofríos desde antes de aparecer en la pantalla, pero el que gana es Carlos Areces haciendo del payaso triste. No hace "ni puta gracia" en toda la película. En un papel humillante, duro, difícil, dramático este cómico se luce y es capaz de borrar del inconsciente del espectador su vis cómica.

Técnicamente es muy solvente, con una muy cuidada fotografía que es imprescindible para el ambiente expresionista que desprende el film. Me gustan especialmente como están tratadas las escenas a plena luz del día, los tonos, las texturas. Y la escena del elefante bajo la lluvia. Otro elemento imprescindible es la banda sonora, particularmente bien elegida, en la que en la parte final está omnipresente la canción de Raphael del mismo título.

Conclusión. Grandiosa y excesiva película, un chiste sin gracia, una tragicomedia de/en España pero sólo la recomiendo a aquellos a los que les guste Alex de la Iglesia. Al resto supongo que les asqueará.

Alien: Una "cuatrilogía" sin esencia común

Antes de nada tengo que dejar una cosa clara, no se si habréis oído que hay más de cuatro películas de Alien, pero que no os engañen Alien Vs. Predator y secuela no son películas de la serie Alien, son adaptaciones de videojuegos y como tal no son consideradas en este blog ( aunque cualquier día haré un monográfico de Uwe Boll). Dicho esto, la "cuatrilogía" de Alien es una serie curiosa dentro de la historia del cine. De un film a otro, la serie no sólo cambia el director sino completamente de enfoque siendo los personajes de Ellen Ripley (Sigourney Weaver) y de la bestia los únicos que vertebran las saga. Curiosamente este cambio de orientación en la saga no la degrada más allá del desgaste que produce explotar demasiado un cierto filón sino que, aunque para mi la calidad de la primera no la alcanzan ninguna de las otras tres, todas tienen su importante aporte a la saga.

Me resulta imposible analizar las películas sin destriparlas (especialmente la 3ª y 4ª) por lo que, como siempre, si no las habéis visto tened cuidado.

ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO (1979) - El terror y el suspense

La primera película de la saga a cago de Ridley Scott, que no había dirigido hasta entonces más que la aclamada Los duelistas, nos sumerge en una película de hermoso terror gótico. Inspirada en Lovecraft y Conrad, la magnifica criatura diseñada por Giger (probablemente uno de los mejores monstruos de la historia del cine) acecha por los pasillos y conductos de la Nostromo provocando a los decrecientes pasajeros y a los espectadores una continua tensión. En esta no hay acción, Ridley aún no es la guerrera que será en las siguientes entregas, sólo una sombra letal y aparentemente invencible de la que hay que huir, sin lugar a donde ir, y esconderse sin lugar donde esconderse. Aunque Scott no alcanza el nivel de la que para mi es us obra maestra, Blade Runner, La atmósfera que consigue esta primera cinta de la saga en escenas como la del nacimiento del alien o la del nido en la nave de los space jockeys, asemejando una catedral gótica, es dificil de repetir en la historia del cine. Probablemente consciente de ello James Cameron en la segunda parte opto por cambiar de registro.

ALIENS, EL REGRESO (1986) - La acción y la ciencia ficción

En esta entrega el rey del mundo del espectáculo, James Cameron, dio rienda suelta a toda aquella experiencia que había conseguido rodando Terminator (otra muy notable saga de acción) para llevar a cabo una de las mejores películas de Ciencia-Ficción-Acción de la historia del cine. La decisión de Cameron suena acertada, para no repetir los esquemas de la película anterior opto por reproducir a los Aliens, más ... muchos más. Frente a ellos, marines americanos, ¿quién sino? Evidentemente las bestias aprovecharán las numerosas debilidades humanas para diezmar al equipo y amenazar la vida de la protagonista y de una niña que acoge bajo sus faldas, que sobrevivirá tras enfrentamientos de todo tipo y con muy diversa tecnología (como marca el genero). Además en esta entrega tenemos además alguna crítica política más que en la anterior, en la que todo era menos obvio y simplemente se sugerían conflictos de intereses económicos. Nos queda claro lo malo que es el corporativismo, aunque toda la crítica al igual que en la reciente Avatar es ingenua y superficial. En cualquier caso una gran película, que complemente a la perfección a la anterior y que podría haber cerrado la saga. No fue así y 6 años después escogerían a un director de videoclips con fama de enfant terrible y nula experiencia en el cine para que revitalizara la saga.

ALIEN 3 (1992) - El terror psicológico y la filosofía

David Fincher fue sin duda valiente al afrontar esta película, demasiado dirían algunos, y eso se ve en la primera escena en la que mata a los otros tres protagonistas que lograron escapar con Ripley (incluida una niña pequeña) y sienta las bases para comenzar de nuevo. El ambiente, una cárcel de presos con un síndrome genético, trisomía XYY (que según la película parece que provoca inestabilidad emocional debido al exceso de testosterona), que han abrazado un fanatismo religioso que parece que les ayuda a controlarse pero que en ningún momento inspiran mucha confianza, un alcaide inepto, un médico con pasado oscuro y Ripley enfrentándose sin armas a una nueva criatura ligeramente diferente a las conocidas anteriormente (debido a su nuevo anfitrión).

La ambientación del film está magníficamente conseguida y aunque el guión falla en algunos puntos, nos ofrece una película interesante con ciertas reflexiones sobre el bien o el mal de algún calado. Además técnicamente el punto de vista del Alien resulta muy interesante. Por contra la película tiene unos efectos especiales bastante más cutres que la anterior película, y el abuso de técnicas CGI no suficientemente desarrolladas resta bastantes puntos a la película. En todo caso una secuela atractiva, diferente, que aporta algo a una saga que quizás tenía que haberse quedado en los 80...pero aún habría una película más.

ALIEN RESURRECTION (1997) - La fantasía, la aventura y el amor oscuro

Con Ripley muerta y después de tres películas, parecía difícil continuar la saga. Pero los productores de la Fox para lograr continuar explotando el filón, fueron a buscar a un extravagante director europeo para Alien: Resurrection. Jean-Pierre Jeunet que todavía no había dirigido la genial Amilie decidió solucionar el embrollo con imaginación. Esta película hace que la saga bascule por un lado al genero de la fantasía y aventura, con un ruptura completa de cualquier ley de la física y la biología, con una panda de piratas como protagonistas. Y por otro lado explota un tema que seguramente a ningún seguidor de la saga se le pasara por la cabeza: la relacción materno-filial de Ripley con la Reina Alien y los nuevos y vomitivos híbridos. La atmósfera y la fotografía, como todas las películas de Jeunet, es magnifica, pero el guión hace aguas por todos lados, con algunos personajes ridículos, y con escenas, como la escena final de la lacrimógena descompresión que resultan excesivas y esperpenticas. Aún así logra transmitir al espectador una sensación de atracción bastante enfermiza durante toda la película, que dado el estado de la saga, puede ser más que suficiente para justificar la película.

Vince Vega es imbecil y Tarantino no quiere que lo sepamos

El otro día revisionando por n-ésima vez Pulp Fiction, la obra maestra de Quentin Tarantino, me puse a pensar en su complicado montaje y en la razón de este. Y he llegado a una conclusión, una teoría que el director de Knoxville nunca confirmará pero para la que he encontrado notables pruebas que la sustentan. La llamaremos "Teoría del montaje creador de empatía" o "Vince Vega es imbecil y Tarantino no quiere que lo sepamos". Para desarrollar más esta teoría voy a resumir en orden cronológico (y no de aparición en el film) las apariciones de este personaje (interpretado por John Travolta) en la película. Evidentemente si no han visto la película, primero véanla y luego lean esto.

• Vincent Vega acaba de volver de Europa,y va con su compañero, Jules Winnfield, a hacer un trabajito sucio de matón, recuperar un maletín muy valioso. De su segunda discursión, acerca del masaje de piés a Mia parece extraerse la idea de que Vince es un tipo prudente y más le vale porque sabemos que va a tener que salir con Mia (que aún no sabemos que es la impresionante Uma Thurman pero suponemos que es razón suficiente para tirar a un tipo por la ventana). Esta es la primera impresión que tenemos de Vincent en la película.

• Continuamos con la escena de recuperación del maletín. Vince se queda en un segundo plano, donde parece que está tranquilo. Pero ya en el coche le pega un tiro en la cabeza a Marvin, el tipo que tenían de topo, al hacer el tonto con la pistola, y no llevar seguro. Durante toda la escena en casa de Jimmy (interpretado por Tarantino), Vincent esta cabreado; la ha cagado él pero parece que no és sino una victima de todo. Trás la inestimable ayuda de "El Lobo", los dos matones van a una cafetería que es atracada, Vincent se va al servicio en el peor momento posible y un iluminado Jules soluciona el asunto sin derramar una gota de sangre.

• Trás este asunto van a ver a Marsellus (Ving Rhames), el jefe, que está convenciendo a Butch (Bruce Willis) de que amañe su combate. Aquí Vincent sigue exaltado y discute con Butch por una tontería. El camarero avisa a Vincent sobre Mia, consejo que Vincent ignora, el sabe lo que se hace.

• Antes de ir a por Mia, Vincent compra heroína, se mete un chute y se la guarda en el bolsillo. Mete la pata al preguntar al camello sobre su mujer.

• Vince llega a la casa de los Wallace, y trás un jugueteo de Mia a través del interfono van al "Jack Rabbit's Slim" donde tienen conversaciones incomodas, incluyendo el citado tema el masaje de pies. Da la sensación de que Vince quiere sopesar a partir de que punto se jugaría la vida. Bailan y se lo acaban pasando bien.

• Tanto que acaban llegando a casa y mientras Vince frente al espejo combate la tentación. Mia se mete una sobredosis de la heroína de Vince pensando que es cocaína. No se le ocurre otra cosa a Vince que llevarla donde el camello, Lance, y la logran salvar con una inyección de adrenalina en el último momento. Deciden hacer como que nada ha pasado.

• Por último Vincent aparece en casa de Butch, suponemos que Marsellus le ha enviado a buscarle y matarlo, cuando Butch regresa a por su reloj de oro. ¡Pero Vincent está en el baño, otra vez! Y con su propia metralleta, que se deja en la cocina, Butch le acribilla.

Eso es en resumen el paso de Vincent Vega por la película y mis conclusiones son que Vincent Vega es un tipo descuidado, se deja la heroína en el bolsillo del abrigo en una bolsita cuando le da el abrigo a Mia, no lleva el seguro cuando apunta a la cabeza de Marvin y se deja el arma en la cocina cuando se va al baño. Además peca de exceso de confianza y es fácilmente provocable. Por todo esto creo que Vincent Vega es el matón imbécil, dentro del arquetipo de pareja de secuaces, que en cuanto Jules desaparece, debido a su iluminación, es eliminado. Pero Tarantino nos lo oculta en su montaje mostrándonos sus acciones acertadas antes que las meteduras de pata, quizás porque es un personaje recurrente (aparece también en Reservoir Dogs) o quizás porque, al igual que creo que le pasa con el Teniente Aldo Raine de "Inglorious Basterds" (Malditos Bastardos), le tiene cariño, porque le recuerda a si mismo y sus paisanos del sur profundo.

EDITADO: El personaje de Michael Madsen en Reservoir dogs (Señor Rubio) no es Vince Vega como creía, sino Vic Vega, hermano de Vincent. De hecho Tarantino tenía en mente rodar una precuela sobre los dos hermanos, pero quizás se le hayan hecho viejos ya.

Arriba Pixar!!!

Viendo el panorama de la actual cartelera, a uno le cuesta encontrar una película en la que exista ese equilibrio entre arte y entretenimiento que busco cuando veo cine. Por ello no es extraño que acuda a valores fiables cuando voy

al cine. Y hoy por hoy para mí el valor más fiable. no ya sólo en animación sino en el cine en general. son los chicos de Pixar. Y su última película ( Up ) es una ráfaga de aire fresco en un ambiente cargado de risas enlatadas en robots transformables.

Up es en gran medida una continuación del estilo narrativo de Wall-e, aunque el argumento sea radicalmente distinto. Nos encontramos con la historia de un hombre que por una mezcla de amor a su esposa fallecida, espíritu de aventura y presiones urbanísticas decide iniciar un viaje en su casa volante hasta la jungla sudamericana. Y lo cierto es que la película, al igual que wall-e, tiene unos 30 minutos iniciales realmente deslumbrantes. Te olvidas de la animación para sumergirte en la maravillosa historia, incluido un resumen de toda una vida en 10 min. que será de aquí a unos años un gran clásico dentro de las escenas del cine de animación. Posteriormente la película va tendiendo hacia un tono más Disney, más comercial que continua entreteniendo y enterneciendo pero que da la sensación de que pierde parte de ese carácter innovador y rebelde que tiene inicialmente. La trama se vuelve también más predecible seguramente para satisfacer al público infantil.

Otro aspecto destacable en el apartado guión es el tratamiento de los personajes, algunos de los cuales sorprenden por su complejidad detrás de su aparente simpleza. Especialmente me llaman la atención el protagonista Carl ( ¡un viejo protagonizando una película de dibujos, ojo!) y el villano tardío (no sólo por aparecer tarde en la cinta), así como los divertidos Dog y Kevin.

En cuanto a la parte técnica, poco que decir: Pixar=Animación (o al menos animación CGI) .Hoy por hoy no se puede hacer una película de dibujos más bonita, más colorida o mejor animada que las que hace Pixar. Por supuesto que se puede hacer más realista, pero esto son dibujos animados el objetivo es otro.


En definitiva, un derroche de imaginación para contar una historia atípica con un protagonista inconcebible y, que además de entretener, hace reflexionar sobre algunos temas universales: la vida, el amor, la soledad, el espíritu de aventura y otros más locales como la especulación inmobiliaria o el modelo de relación parento-filial actual. Hasta ahora, quizás la mejor película del año: Pero me gusta más Wall-e.

P.D.- A modo de curiosidad, Disney no tenía excesiva confianza en el producto y no fabrico tanto merchandising como es habitual y ahora están desbordados de niños que quieren el muñeco del vejete.

P.P.D.- Yo la vi en 3D, pero no vale la pena. Es una lástima pero ni los animadores dominan todavía suficientemente la técnica ni la tecnología esta suficientemente madura como para que el valor añadido a la experiencia sea destacable.

Una opinión

"Según los jóvenes críticos americanos, uno de los grandes descubrimientos de nuestra época es el valor del aburrimiento como tema artístico. Si esto es cierto, entonces Antonioni merece figurar entre los pioneros de esa tendencia, con el titulo de padre fundador."

Orson Welles a Kennet Tyran para Playboy Interviews, 1972

Más Información:

• La imagen es un fotograma de Blow-up (Palma de Oro en Cannes 1966) de Michelangelo Antonioni
  

• Michelangelo Antonioni: IMDB, Wikipedia
• Orson Welles: IMDB, Wikipedia
  

Millennium: Último boom literario

Normalmente me acerco con algo más que recelo a los bestsellers. La literatura de consumo tiende demasiado a menudo a descuidar la forma y el fondo a cambio de la generación rápida de noveluchas que enganchen a esa masa que denominan lectores ocasionales. A pesar de ello decidí leer el primer volumen de la saga Millennium principalmente por el hecho de que sucedía en Suecia, un país con el que tengo algo de relación personal, y porque el cartel de la película me resultaba enigmático. A continuación les hablaré tanto de la primera novela de la saga como de la película que la adapta.


En primer lugar un pequeño comentario sobre el título: ¿ Por qué se empeñan en cambiar innecesariamente el título original en las traducciones de algunas novelas o películas? Me explicaré. El título original de la novela es Män som hatar kvinnor ("hombres que odian a las mujeres") pero en castellano decidieron que odiar era muy brusco y la tradujeron por "Los hombres que no amaban a las mujeres". Es cierto que es un cambio sutil pero existe diferencia y, es más, es completamente innecesario. En los otros dos volumenes el cambio es más pronunciado: de Flickan som lekte med elden ("La chica que jugaba con fuego") a "La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina" y de Luftslottet som sprängdes ("El castillo en el aire que se desvaneció") a "La reina del palacio de las corrientes de aire". Lo dicho innecesario, confuso, pedante, cateto y estúpido.

Si nos centramos en el libro en sí, nos encontramos que lo que Steig Larsson hizo antes de morir fue una interesante trama policiaca, que tiene todas las características del género que ya definió completamente Agata Christie hace más de 70 años, aderezada con algo de contenido político y social. Y aunque la trama funciona muy bien (enganchando al lector) y tiene algunos recursos que resultan en cierto sentido originales provoca una continua sensación de Dejà vu, de que eso ya lo has leído en otros lugares, de que sabemos quién lo ha hecho. Por otro lado el contenido lateral a la trama, todo el reflejo del pensamiento pseudo-comunista de Larsson, resulta en cierto sentido excesivo y pretencioso, sobre todo al final cuando parece que el protagonista salva la economía mundial, con su particular lucha contra un tiburón financiero. A pesar de ello, en muchos momentos constituye un acertado dedo en la llaga en el corazón de la autocomplaciente sociedad sueca.


Lo que hace a esta novela diferente es el personaje de Lisbeth Salander. Es un personaje interesante, desequilibrado, egoista y oscuro, pero de una extraña bondad y atractivo. Una chica de aspecto gótico-ciberpunk con síntomas de Asperger (¡cuantas veces a aparecido en la literatura este síndrome últimamente! ¿no creen?) y con unas excepcionales capacidades. Sin duda es la sal de la novela y supongo que será el centro radical de las otras dos. El problema es que a mi en ningún momento me llega a fascinar, ni a enamorar, ni a aterrar; y lo que es peor el resto de personajes son completamente impersonales. El otro protagonista Mikael Blomkvist esta tan inspirado por el mismo autor que su voz no se distingue del narrador, y en el caso del resto de los personajes (algunos de ellos malvados o torturados seres humanos) no se distingue en su voz una personalidad que les diferencie, son planos y monótonos a pesar de que Larsson trate infructuosamente de construirles biografías complejas.

En conclusión lo que le falta a la novela para tener el rango que algunos ya le dan es poética. Al autor, que es mucho más periodista que novelista, le falta habilidad literaria; no manejar sentimientos y pensamientos con tanta frialdad, con ese estilo y ese lenguaje propio de las páginas salmon que tanto critica para dal algo de colorido a esta buena idea suya.


En cuanto a la película se trata de una correcta adaptación. El casting parece adecuado y las actuaciones ( las he visto dobladas) parecen estar a un nivel correcto. Técnicamente no presenta un mayor reto para ningún director y Niels Arden Oplev ( un desconocido al menos por aquí) ejerce de obrero eficiente. En cuanto a la adaptación del argumento, el guionista adapta en lo básico pero no es capaz de transmitir todas las ideas que Larsson pretende exponer acerca del desmoronamiento del Swedish welfare. Por lo tanto sólo recomiendo la película a fans de la novela y si tengo que elegir entre ambas, como casi siempre, me quedo con la novela.

Nueve Reinas: Amor por el engaño

Hoy vuelvo tras mucho tiempo sin publicar y vuelvo con una entrada sencilla, una simple crítica de cine. Estoy preparando algo especial para el mes de mayo que empieza, no se si os gustará a todos pero creo que tengo que hacerlo. En todo caso eso ya llegará, hoy una película argentina: Nueve Reinas.

En este caso lo que más me interesa es comentar la trama en si, asi que en primer lugar haré un comentario general de la película para los que no la hayan visto y luego me hacen el favor de cerrar el navegador, conseguir la película, verla, volver a abrirlo y comentar conmigo su interesante trama.

Nueve Reinas es la opera prima como director de Fabián Bielinsky, fue estrenada en 2000 ( en plena crisis argentina) y sirvió para dar fama a ese gran actor que es Ricardo Darín ( que incrementaría su papel en 'El hijo de la novia'). Nos encontramos ante una película de estafadores, llena de trampas, de cierto humor ácido y algo de crítica social excelentemente combinado con una dirección notable que destaca por su puesta en escena y unas actuaciones encomiables ( si se fijan y ven alguna mala actuación, alguna linea dicha sin la entonación debida, entonces mosqueense: les están timando los personajes ) entre las que destacan por su carisma los dos protagonistas: el citado Darín y Gastón Pauls. Simplemente decirles que es entretenida, tiene compromiso social y está bien hecha: Véanla ( Y no sigan leyendo hasta que lo hagan ).

* * ***

Lo cierto es que la trama que muchos han considerado retorcida a mi me pareció que tenia el final natural, llevaba varios minutos esperándome ver como el dulce Juan/Sebastian lo tenía todo bien atado. Llamenlo instinto, experiencia o simplemente deseo de espectador, pero estaba en lo cierto. La verdad es que los últimos nueve minutos de película constituyen varios finales y da la sensación de que Bielinsky opta por el más comercial. Tras la escena del banco todo podría acabar, y mostrar que estos estafadores de poca monta han sido finalmente estafados por los gobernantes y banqueros que llevaban años sangrando al país. O quizás podría añadirse un Happy ending tras la dulce escena del metro en el que Valeria y Juan/Sebastian acabasen juntos, pobres pero felices. Pero Bielinsky opta por el efectismo, y le sale bien.

La verdad es que el espectador es engañado en ciertas escenas en las que Juan esta solo y parece abatido, en este caso el director juega sucio pero se lo aceptamos dada la temática. Parece decir, "Pibe, so también tengo que ganarme el pan, dejame hacerle algún truco". En todo caso si obviamos esas escenas, hay varios casos en los que parece que Juan lleva el control aunque Marcos aparente ser el que esta a punto de timar, o al menos da la sensación de que las cosas no le van a salir bien a Marcos. Marcos hace siempre lo que se espera de él, en cambio todas las reacciones de Juan resultan al menos extrañas. Además el personaje del mafioso español no acaba de cuajar en ningún momento, personalmente me pasé media película pensando: "¡que mal actor es este ( español tenía que ser)!", hasta que pensé....quizás él que es un mal actor es el personaje. Por último el personaje de Valeria siempre con una escoba metida por el culo, resulta tan excesivo que en cuanto lanza un par de miradas dulces en cierta forma se desvela.

Y ustedes pensarán que esto no dejan de ser ideas 'a posteriori', cosas que notas inconscientemente y que cuando todo cuadra ves claramente, seguramente tengan razón. Pero sirven como notas para un segundo visionado, para ver si todo esta bien montado y ver si la película en realidad merece el crédito recibido.

Gran Torino: Eastwood y el cine de emociones

Hace tiempo que no tengo duda de que Clint Eastwood es uno de los más grandes directores en activo. Con esta última película suya "Gran Torino" se vuelve a confirmar su dominio del lenguaje cinematográfico y su absoluta facilidad para hacer llegar mensajes y emociones al telespectador.




Este californiano casi octogenario, que se hizo famoso por su papel como el inspector Harry Callahan "el sucio" y por su personaje sin nombre en los Westerns de Leone, hace ya casi dos décadas que alcanzó el máximo reconocimiento como director con "Unforgiven" (1992), una de las películas más relevantes de los últimos años. Desde entonces (quizás un poco antes con "Bird") lleva demostrando que es uno de los directores que mejor cine hace en la actualidad, siempre con un toque clásico, con historias emotivas y agridulces (a veces melodramáticas) y que llegan al tejido sensible del espectador.

En Gran Torino vuelve a ponerse delante de la cámara (además de detrás) para elaborar esta fabula sobre la perdida de valores, el envejecimiento, la soledad y el choque cultural. Esta película no deja de ser un valiente balazo contra las consciencias de la americanos que se van despertando de una guerra que agoniza. Parece leerse entre su metraje "Esto no se ha acabado, lo que habéis hecho seguirá acompañandoos toda la vida".

Para ello utiliza el personaje de Walt Kowalski, americano de toda la vida (es decir inmigrante polaco de segunda o tercera generación) patriota, malhumorado, chapado a la antigua y ex-combatiente de Korea ( se agradece que se hable de guerras distintas a la tan trillada guerra de Vietnam, parece que fue la única en la que se masacró inocentes) que de repente se haya viejo, enfermo y sólo en su barrio de siempre que se ha convertido en un ghetto para inmigrantes asiáticos. El choque que tendrá con sus vecinos y las bandas del barrio, detonará en Walt ciertos sentimientos que le harán sacar lo mejor y en algunos momentos lo peor de si mismo.

Tiene un guión de un esplendido ritmo y unas interpretaciones muy convincentes : el personaje de Eastwood resulta curiosamente cómico y tierno casi toda la película,l a vecinita asiática es realmente encantadora y el cura jovenzuelo resulta el contrapunto moral necesario para desarrollar todo el mensaje de la cinta. Nos encontramos con una gran película que además presenta un final esplendido, por imprevisible y por significativo.


Técnicamente esta muy depurada, Eastwood realiza una película sobria como siempre, sin florituras con una fotografía realista dándote siempre la sensación de que lo que te esta contando es la pura realidad.

Si la comparamos con "Million Dollar Baby" esta es menos lacrimógena con menor mensaje emocional pero con más mensaje social. No deja de ser una hermosa denuncia del racismo y la perdida de valores en el medio oeste americano además de una tierna fábula sobre el valor de la vida simbolizada por ese brillante Gran Torino del 72.

81ª Entrega de los Oscars

Para los que vivimos en Europa ver la gala de los Oscars es bastante difícil dado el cambio horario. Por ello este ha sido el primer año que la he visto ( sólo en parte) y en las siguientes lineas les contare mi opinión sobre la misma.

• Hugh Jackman y la gala en su conjunto

El australiano Hugh Jackman se estreno como maestro de ceremonias de la gala de los oscars con la intención de que su gran carisma le funcionara también para presentarla. Y parece que la cosa le salió bien. Estuvo divertido, pero no graciosete, y sus números musicales eran un entretenido intermedio entre entrega y entrega. Cabe destacar el primer numero musical para mi genial en el que parodiaba con muy poco atrezzo, una gran coreográfica y buenas cualidades vocales las películas nominadas (y El caballero Oscuro), en el tuvo la ayuda de Anne Hathaway ( me encanta esta chica, quizás es porque según alguien me dijo una vez se da un aire a una ex-novia mía) que también estuvo explendida.

El resto de la gala fue muy comedida, con algo de humor de buen gusto, homenajes al cine de todos los tiempos y cierto aroma a Broadway. El escenario era espectacular y tenia la peculiaridad de que estaba muy cerca del patio de butacas por lo que la interacción presentador-estrellas fue fluida y dió bastante juego ( sobretodo al principio). El único que e salió un poco del guión fue Ben Stiller con su parodia de la actual apariencia de Joaquin Phoenix, pero en conclusión: mucho glamour, mucha corrección y sobretodo el cine por encima de los egos personales.


Me gusto especialmente la forma de entregar los premios a los actores y actrices: Primero se mostraba un video de diferentes actores y actrices que obtuvieron el premio a lo largo de las 81 ediciones y después 5 de los ganadores salían para presentar al premio, peloteando antes a cada uno de los nominados.

Por lo que he leído la gala fue perdiendo intensidad a medida que avanzaba pero era muy tarde y no estaba en condiciones de comprobarlo.

• Nominados y Ganadores

Película
Para empezar para mí la gran película de este año es Wall-e y la academia ni siquiera se digno en nominarla a mejor película, denostando a la animación. Evidentemente se llevo su premio a Mejor película de animación pero nada más, una pena.

En cuanto a las películas nominadas a mejor película, no creo que Slumdog Millionaire fuera la mejor. Es buena, entretenida, bien hecha, pero tiene un guión que hace aguas a medida que esta avanza, pierde fuerza y credibilidad. Creo que se hubiera sido más justo premiandole sólo la música, el montaje y la fotografía en lugar de los 8 oscars que ha obtenido. Mis películas favoritas eran: El curioso caso de Benjamin Button y The Reader.

Dirección
En cuanto a la dirección, Danny Boyle tambien la ganó por Slumdog Millionaire. Al igual que el apartado de mejor película, creo que el meticuloso trabajo de David Fincher en Benjamin Button es más interesante que la buena dirección de Boyle. La película de Fincher ha sido la gran denostada de la edición (junto con Mickey Rouke, ya llegaremos) ganando sólo el premio al mejor maquillaje, mejor efectos visuales y mejor dirección artistica. Escaso premio para una producción como esta. Mi Director favorito era: David Fincher.

Guiónes
El Mejor guión adaptado lo ganó Slumdog Millionaire, para mi injustamente, ya que si algo falla en esta película es el guión. Mi favorita era: The Reader.

En cuanto al mejor guión original, ganó Milk, es una de las pocas películas con varias nominaciones, junto con La duda que no he podido ver. En todo caso mi favorita era: Wall-e.

Actores y Actrices
Pe ganó. Supongo que es como hay que empezar, ¿no? Ganó el primer premio de la noche a Mejor actriz de reparto por su papelon en Vicky Cristina Barcelona y mi favorita era ella, premio justo y merecido. Tuvo un grán discurso además en el que se acordo y agradeció sus origenes (Bigas Luna, Almodovar, Trueba, Alcobendas) y al igual que Bardem el año pasado estuvo perfecta en la recogida de su premio.


Tambien ganó su premio Heath Ledger por el Joker como estaba cantado, aunque su entrega fue mucho más fria de lo que se esperaba, un mero tramite que su familia aceptaba sin muchos aspamientos. Premio justo y merecido tambien, aunque soy de la opinion de que el papel que hace en El caballero Oscuro no es de reparto sino de protagonista.

En cuanto a la Mejor Actriz Principal, este año era Kate Winslet y a poca gente le quedan dudas ( es dificil superar a Meryll Street aún así) ya que su papel en The Reader es magnifico, misterioso y envolvente. 10 para Winslet y 7 para la Academia por premiarla por fin (más vale tarde que nunca).

El Mejor Actor Protagonista lo ganó Sean Penn en una de las decisiones más parciales e injustas de la noche. Sabemos que a Hollywood le gustan los biopics y que por mucho que trate de ocultarlo Penn es mucho más politicamente correcto que Rouke. Pero Mickey Rouke se sale literalmente en The Wrestler y otro año más Penn (que es un gran actor) le quita el oscar a otro actor que se lo merece más como pasa con Bill Murray hace años. Mi favorito era : Mickey Rouke.




Conclusión
Buena gala (al menos lo que yo ví) y en cuanto a la entrega de premios: un poco lo de siempre, las votaciones son parciales y amiguistas, todas son grandes películas y actores pero hay distintos niveles y Slumdog Millionaire será olvidada en unos pocos años como lo fue Shakespeare in love o Chicago.

En todo caso, valió la pena el quedarse a verla

De mi Affaire con ... Godard

Con esta entrada inaguro una sección que no será periódica ni mucho menos en la que hablaré de aquellos directores que si bien no me gustan en el sentido estricto de la palabra su cine me parece que tiene suficiente jugo y personalidad como para analizarlo aparte. Hoy hablaré del genio de la Nouvelle Vague, del ídolo gafapastil, del pedante enfant terrible de las gafas de sol, de Jean-Luc Godard.

Aquí tenemos al genio mirando en estado de éxtasis su celuloide. Sabemos que en unos instantes cogerá la tijera y llegará al nirvana cortando y pegando la cinta.

Existe un momento en la vida de cualquier cinefilo que casi sin darse cuenta empieza a oir hablar de Godard, Truffaut y de la Nouvelle Vague del cine francés. Uno empieza a leer por ahí y descubre con sorpresa que el susodicho Godard y compañia redescubrieron el cine y sentaron las bases del cine moderno. Tras leer esto uno siente la necesidad inapelable de comprobar si es verdad, no sin antes haber leido alguna crítica en la que ponen a Godard a caer de un burro o lo culpan de los males del mundo. Hasta hoy he visto dos de sus obras: "A bout de Souffle" ("Al final de la escapada") y "Bande à part" (Banda aparte) y si soy sincero en este momento recorrer el resto de su filmografía no es lo que más me apetezca pero seguro que vuelvo a caer.

La primera película que vi por sugerencia de una amiga muy moderna y algo gafapasta fue "Bande à Part", las impresiones después de la foto.



Bande à Part (1964)

Cuando me acerqué a ésta película tenía como mayor referencia la imprescindible película de Bernardo Bertolluci "Soñadores" donde en cierta manera se homenajea a esta cinta (como a muchas otras). Lo cierto es que la película de Godard es un coñazo insustancial. Ahí se resume todo, pero iremos un poco por partes.

Para empezar diremos lo malo: el guión. La película es tan tonta como los personajes que la protagonizan. Sus motivaciones son nulas y no es que se dejen llevar por el ambiente, la sociedad o las circunstancias es que simplemente se mueven como niños con los ojos vendados golpeando la piñata. En la película no pasa casi nada, y lo que pasa, pasa tan lentamente que cuando acaba de pasar ya no te acordabas de lo que estaba pasando (les dejo un tiempo para asimilar la última frase mirando a Anna Karina).


Por otro lado las actuaciones aunque son aceptables, el libreto es tan superficial que no llegas a entender realmente a los personajes. Mención aparte merece Anna Karina, que interpreta a una cría tan guapa como estúpida (dando la sensación de que ambos adjetivos son tan válidos para el personaje como para la actriz).

Por último la voz en off del propio Godard narrando lo obvio de las situaciones con la voz más monotona posible no hace más que aumentar el sopor.

¿No hay nada que se salve? Claro que si. Tecnicamente es bastante innovadora (creo que menos de lo que se le atrivuye) y la secuencia del Louvre, la del cafe del Quartier Latin y alguna otra cosa como una ruptura de la cuarta pared a través de la mirada de Anna hacen que la película valga algo la pena. Además el plano secuencia final resulta admirable, si bien da la sensación de que ya se ha visto antes y mejor puesto en escena. Pero seamos serios esto es una película destinada al publico (aunque sea a un publico de un nivle cultural determinado) no un film de Arte y Ensayo, así que le falta coherencia para resultar una buena película. En este sentido parece el cuaderno de anotaciones de un buen escritor, tiene grandes ideas, pequeños silogismos de alto contenido estético pero sin nada que lo vertebre.

Una vez vista esta película parecía tener clara mi opinion de Godard pero aún asi no pude evitar acercarme a su primera película "A bout de Souffle" que según la critica especializada:"Sin este pequeño inmenso filme no se entendería nada del cine posterior". Tocate los cojones, como para no verla. ¿La opinión? Despues de la fotico.




A bout de souffle (1960)

En esta película se nota que en el guión Godard tuvo alguna ayudita del más experimentado Truffaut porque toda ella tiene mucho más sentido.

El guión es atractivo, así como los personajes y tiene un ritmo bastante rápido que contrasta con la lentitud de la película anteriormente comentada.

Belmondo hace un papel impecable (aunque según cuenta el director no se sabía sus lineas) y con toda su fealdad resulta un galán al que todos tras ver la película nos gustaria parecernos, aunqu(en este sentido el personaje logra asemejarse a su admirado Bogart).J ean Seberg esta estupenda, muy atractiva pero a la vez tiene ese toque de independencia emocional e intelectual del que carece el personaje de Karina en Bande à part (quizás sea gracias a ese corte de pelo y la camiseta del Herald Tribune).

La película resulta una suerte de revisión del cine negro visto desde una óptica distinta y renovadora, una autentica película de un joven y ambicioso director que todavía no había sido elevado a los altares. En la que además Godard mete interesantes autorreferencias como su cameo (decisivo para la resolución de la cinta) o la chica vendiendo los "Cahiers du cinema" (donde Godard y muchos otros futuros directores ejercian de críticos.

En todo caso desde el punto de vista técnico valoro positivamente la innovación en la fotografía. Existen toman muy interesantes como las de la escena del coche de Belmondo casi al principio en el que la camara esta situada en el asiento de atrás y en el capot alternativamente. El montaje es otro cantar, a mi entender es una chapuza.

La idea inicial parece ser hacer un montaje ligeramente inconexo para dotar a la película de un dinamismo diferente en el que las acciones no ocurren de manera continua sino a pequeños saltos en momentos oportunos. Esta idea que parece y es buena se torna un poco menos interesante cuando Godard tijera y pegamento de barra en mano se dedica a cortar y pegar donde le viene un poco en gana sin ningún objetivo narrativo ni estético más que el de marear al espectador en el momento que le parece oportuno.

En todo caso estas pequeñas fallas son menos de las que le podemos admitir a una película debut, por lo que "Al final de la escapada" si que es una película notable, aunque sobrevalorada, pero notable al fin y al cabo. Y que como añadido tiene el honor de haber creado el celeberrimo gesto del anuncio de Martini y eso amigos si que es una buena herencia.

Proximamente en mi Affaire con............

De Se7en a Zodiac

David Fincher es uno de los directores más controvertidos de los últimos años. Considerado un genio por algunos y denostado por otros lo cierto es que el realizador de Denver ha logrado abrirse con los años un hueco en un Hollywood que nunca mira con buenos ojos a los directores de videoclips, que ha culminado con su reciente nominación a los Oscars por la dirección de "El curioso caso de Benjamin Button".

Hoy me gustaría centrarme en su segunda y penúltima películas: Se7en y Zodiac, dos maneras opuestas de ver el thriller. Quizás otro día hable de alguna otra de sus películas.

Ahh, Antes de nada, va a haber spoilers.


Se7en es un gran thriller, tenso y trepidante, con dos grandes actuaciones (Spacey y Freeman) y una estupenda puesta en escena. Si hay algo que maravilla de esta película es lo bien rodada que esta, lo densa de su atmosfera, es una película oscura,opresiva. Para mi esas son las razones por las que Se7en funciona tan bien, entretiene y te mantiene en tensión, sobretodo en esta magnifica escena final.

Pero tiene fallos, sobretodo de guión. Digamos qur tiene demasiadas trampas, no resulta muy convincente la forma en la que se resuelve todo, y todos las imitaciones que se han hecho de Seven desde que se estreno esta (y son muchas , algunas realmente grotescas) pecan del mismo problema, falta de naturalidad en el desenlace. Por otro lado la actuación de Pitt me parece poco convincente, sobretodo en la escena del final, con sus cambios de cara sus muecas y su conflicto interno, estará todo lo bueno que quieran pero no me lo creo (en otras películas suyas si me ha gustado más).



¿Ven todo lo que he dicho de Se7en? Pues Zodiac es lo contrario. Hay gente que piensa que la realidad no daba para hacer una película de 3 horas, sobre un caso que aún esta abierto. Yo creo que si.

Fincher se inventa un genero nuevo: el Docu-thriller. Y renuncia a efectismos y a giros estramboticos de guión para narrar de manera impecable la obsesión de unos periodistas y unos policias por encontrar a un psico-killer. Y es realista no sólo por basarse en hechos reales, sino por la honestidad y meticulosidad con la que Fincher trata este material, sin dejar de permitirse un par de escenas oscuras y opresivas como la del sotano del cinematógrafo.

Y si su duda es si me aburrio, no, no me aburrio. Me parece que tiene un buen ritmo, que te hace sentirte como los personajes (los tres protagonistas están magnificos): perdido y confuso, pero metido dentro de la trama. Se siente la madurez del autor y da la sensación de que tiene mucho más que ofrecer. Zodiac es una obra maestra, si a alguien le decepcionó es porque fue a buscar lo que no era cuando la vio.

Wall-e: Algo más que animación

Siempre que me enfrento a una nueva película del binomio Disney-Pixar voy con la tranquilidad de que como mínimo terminaré la película con una sonrisilla de buen rollo. Con Wall-e no las tenía todas conmigo; había leido y oido tantas buenas (o muy buenas ) críticas que iba con el miedo de salir diciendo "me esperaba más" (guiño-guiño). Pero no. No me ha decepcionado lo más minimo.

Wall-e es, por decirlo de manera simplista, una revisión de "2001 Una Odisea en el Espacio" hecha en animación, igual de preciosista, con una hora menos de planos incoherentes (aunque hermosos) y con un mensaje que entiendes.

El parrafo anterior es una forma burda de resumir lo que me ha transmitido la película, intentaré profundizar más.

Desde el punto de vista de la animación en sí, Wall-e es tan sobrecogedora como la anterior obra maestra de la pixar: Ratatoille. Pero si Ratatoille simplemente te impresionaba con las luces de Paris y el detalle de la comida que casi podías oler, en Wall-e se nos tratan de transmitir muchos más sentimientos sólo con la imagen (y una magnifica banda sonoro en la que ya no aparecen cancioncillas horteras, menos mal), no en vano la película es en gran parte una película muda y Wall-e recuerda fuertemente a Buster Keaton en sus mejores momentos. En todo caso tanto la soledad, la desolación , la ilusión o el excentrico amor de los protagonistas nos llega directo y crudo sólo con la imagen.

El hecho de que los robots no hablen no resulta aburrido ya que la gran expresividad de la que estan dotados (¡¿ Cómo lo han logrado?!!!!) hace que tanto los más niños como los mayores puedan disfrutar a su nivel de las aventuras de Wall-e.

En cuanto a la historia no deja de ser la típica historia Disney con Hollywood ending, pero en este caso tiene algo más. Para empezar no hay un villano claro al que echarle las culpas del destino de la humanidad (aunque más tarde aparezca algo parecido a un villano). Por esta razón el mensaje que trata de transmitir la película llega tan bien. Este mensaje anticonsumista y ecológico resulta un poco cínico viniendo de una coorporación como la Disney, pero eso no le quita validez al discurso ni a la forma de contarlo.

En conclusión, no se si es la mejor película del año pero creo que ha presentado una candidatura muy seria para oponerse al Caballero Oscuro.

P.D. - Si fuera una película de personas y con un final menos feliz la tendriamos ya por delante del padrino seguramente en muchas listas.

Eyes Wide Shut (o más bien entrecerrados)

ARTICULO RESCATADO DEL FOTOLOG:

Eyes wide shut es posiblemente la peor pelicula ( una buena manera de despedirse del mundo sin duda) de uno de los directores mas importantes de la segunda mitad del siglo XX. Pero creo que su titulo viene bien para comentar la curiosidad de la que me di cuenta el otro dia viendo "Full Metal Jacket" (La Chaqueta metálica).

¿ Os habéis fijado alguna vez en que los protagonistas de las películas de Kubrick siempre miran igual? Mirad estas fotos, incluso el mismo Kubrick parece mirar con esa mirada demente. Según el sentido horario empezando en las 12:

- Alex de Large (Malcolm McDowell) - La Naranja Mecanica
- Espartaco (Kirk Douglas)
- Dr. Strangelove (Peter Sellers) - Telefono rojo, Volamos hacia Moscu?
- Hal9000 (Este es un poco de coña , pero con imaginación...) - 2001, Odisea en el espacio
- Jack Torrance (Jack Nicholson) - El resplandor
- Recluta Patoso (Vincent D'Onofrio) - La Chaqueta Metalica

Genial. Es facil imaginar cuanto torturaba a los actores para lograr de todos la misma cara

Batman: La senda del caballero oscuro

Aquellos que me sigáis con cierta asiduidad sabréis que le tengo una gran consideración a las películas de superhéroes (en mi ranking personal están justo por delante de los telefilms de antena 3) , pero lo cierto es que si tuviera que elegir un superhéroe, elegiría a Batman. Su oscuridad lo hace más interesante que otros mallados. En todo caso la filmografía de Batman es bastante interesante dado su variedad en estilo y calidad, por ello la analizaremos un poco.


EL BATMAN DE BURTON

Costó toda la década de los 80 convencer a algún productor de Hollywood de que era una buena idea hacer una película seria de Batman. Esto se entiende si nos remontamos a la serie de televisión de los 60, que era de todo menos seria. A las pruebas me remito:



Finalmente le dieron el proyecto a un tal Tim Burton que había tenido gran éxito con una cosa rara llamada "Beetle Juice" (protagonizada también por Michael Keaton). Lo cierto es que Burton tuvo muchisima libertad en esta película y eso fue bueno. Llevó a Batman a su terreno gótico (que en mi opinion es el que mejor le va al personaje) y construyó una película interesante.

Algunos seguimos pensando que Michael Keaton no es la elección mas adecuada para el papel, no da la talla (en varios sentidos) pero en el fondo el protagonista de la película es Nicholson y su Joker (de hecho su nombre sale el primero en los creditos, seguido del de Kim Basinger).

Trás esta película Burton realizaria en el 92 la secuela Batman Returns que se convierte en un delicioso cuento oscuro al puro estilo Burton, con una Michelle Pfeiffer y un Danny deVito explendidos en sus papeles de villanos. Es probablemente la película más poco de superhéroes de la saga pero a mi es de las que más me gusta (quizás precisamente por eso). Sin duda una de las obras cumbres del director californiano.


El problema es que Batman Vuelve asustaba a los niños y muchas marcas no pudieron hacer dinero con ella (McDonalds de quejo de que no podía aprovecharse del merchandising de Batman) así que apartaron al viejo Tim y le dieron el proyecto a Joel Schumacher y este se cargó al personaje en sólo dos películas.

El BATMAN DE SCHUMACHER (O COMO TOCAR FONDO)

Primero llego Batman Forever con Val Kilmer como Batman y Chris O'Donnell como Robin, (¿alguien sabe donde se ha metido el chico este? ¿esta en el arroyo?) los villanos Enigma y Dos Caras (Jim Carrey y Tommy Lee Jones). Lo cierto es que la película es entretenida, mucho más luminosa y comercial y Jim Carrey esta estelar en su papel como Enigma (haciendo de Jim Carrey), pero cosas como el personaje de Dos Caras (y más trás haber visto la última de la saga) o el papel de Nicole Kidman empiezan a ser lamentables.


Luego llego Batman y Robin que simplemente es horrenda, odiosa, aburrida y sin sentido. Gobernator esta horrible como Mr. Freeze, Poison Ivy es probablemente el peor papel de Uma Thurman en su carrera de más de 20 años) y los buenos no son mucho mejores. Robin y Batman vuelven a atraer los rumores de la homosexualidad del personaje y aparece Bat Girl que es menos que un cero a la izquierda ( Alicia Silverstone debe estar ahora en el mismo arroyo que Chris). La pelicula fue un completo desastre en taquilla y poco más hay que decir. Como buena cosa que Clooney es un buen Bruce Wayne (no Batman) , algo es algo.

NOLAN Y EL RENACIMIENTO DEL CABALLERO

Si durante los 80 fue dificil hacer la película de Batman debido al recuerdo odioso de la serie de televisión imaginense donde estaba el personaje trás los dos bodrios del aleman. Pero en la Warner las ideas no sobraban y Spiderman estaba triunfando, así que se buscaron un director talentoso y cruzaron los dedos.


Y la jugada les salio bien, muy muy bien. Christopher Nolan en su corta filmografia (especialmente en Memento) ha demostrado su savoir faire y llevando a Batman a su génesis ha logrado construir al mejor Batman que se ha visto en la pantalla. Christian Bale es un excelente caballero oscuro (quizas le falta un poco de glamour como Wayne aunque su personaje es mucho más canalla que los anteriores más divertido). No nos engañemos Batman Begins es una película de superhéroes, pero es una buena película de superhéroes. Con Villanos que dan miedo y un heroe que tampoco inspira confianza. Mención aparte para los tres secundarios de lujo: Liam Neeson, Morgan Freeman y el gran Michael Caine como un explendido Alfred Pennyworth.

Tras el exito de critica y público de Batman Begins Nolan se propuso el más dificil todavía, crear un nuevo Joker que rivalizara directamente con el que magnificamente habían creado Burton y Nicholson, y en The Dark Knight lo consigue, vaya si lo consigue.


Con la elección de Heat Ledger como Joker muchos pensamos, "empieza mal". Estabamos equivocados. El Joker de Ledger es genial, acojonante y aterrador. Completamente diferente al de Nicholson y probablemente mejor. Se llevara el Oscar a titulo postumo seguro.

La película en sí es muy buena, no ya sólo comparada con el resto del género sino como película en general. Tiene un ritmo perfecto y una trama inteligente (con El Joker manipula a todos los personajes y espectadores durante toda ella). Y aparte de Heat Ledger y Bale, el tercer protagonista Aaron Eckhart como Harvey Dent esta igualmente explendido, en su triangulo amoroso con Bruce/Batman y Rachel y en su transformación en DosCaras.

Larga y sinuosa ha sido la senda del caballero oscuro, pero si ha servido para llegar a esta última película: mereció la pena.

Como post data, despues de este exhaustivo analisis puntualizar que no soy conocedor del comic y mi opinión se basa por lo tanto en las películas y series del personaje.

Un saludo a todos, nos vemos pronto con algo más pedante: David Lynch.